Leonora…o Fidelio, el amor según Beethoven

Es quizás uno de los personajes más emotivo, una heroína de la época. Leonora es la mujer de Florestán, un preso político que está encarcelado hasta el aislamiento. Es más, el gobernador de la prisión, Pizarro, pretende eliminarlo de la faz de la tierra. Leonora decide que su única opción pasa por entrar en el recinto del único modo posible:haciéndose pasar por un chico joven y ganarse la confianza de Rocco,carcelero.En lo más profundo de su ser, el sentimiento de Leonora es llegar hasta su marido. Es el momento de su aria conocida y que aquí tratamos.El consuelo es su objetivo.

El destino del preso político es la muerte. Rocco le informa a Fidelio(el nombre que Leonora adopta dentro de la cárcel) que le ha ido reduciendo la dosis de comida pero el desenlace final lo realizará el propio Pizarro. El menester en ese momento es cavar una tumba cerca del calabozo.Los lamentos de Florestán llegan al corazón de Leonora, mayor dolor es verlo camino de su fin, casi pedirlo. Cuando aparece Pizarro vemos el momento cumbre de la ópera: Fidelio se muestra lo que es ante Pizarro, Rocco y Florestán: ella es la mujer del preso, la que ha llegado a la prisión para salvarlo y para ello empuña un arma.

La llegada del ministro, desconocedor de lo que está sucediendo en la prisión, hace que el propio Pizarro tenga un doble pensamiento: o los mata a los dos(Leonora y Florestán) o tiene que salir de esa zona porque, en sí, no tiene opción de salir de la prisión sin encontrarse con el ministro. En ese momento, marido y mujer exaltan su amor y admiración por el gesto salvador. Rocco les indica que deben subir a la superficie para que se sepa la verdad.

En la escena final, vuelve a triunfar el amor,la gesta de Leonora queda encumbrada ante el propio ministro, que le concede el honor de liberar a su marido. Una persona es la única infeliz en todo el coro de felicidad: Marzellina. Ella estaba enamorada de Fidelio pero esa revelación la deja descompuesta, no se puede imaginar que la persona destinada a su felicidad sea lo que menos se esperaba. La felicidad conyugal, la fidelidad que da la vida es el triunfo de Florestán.

Momentos memorables:escena y aria de Alidoro “Là del ciel”

No voy a negar una evidencia. Desde que escuché por primera vez esta escena quedé atrapado por su música, por la puesta en escena(no me refiero al vídeo incorporado a la entrada) con cierta espectacularidad y por lo que implicaba la figura de Alidoro, un personaje profundo y, a su vez, muy “visual”. Hay que partir de un cuento “de hadas”, con un repertorio de referencias considerable pero que Rossini consideró aportar su “particular visión”. No hubo zapato y sí un brazalete pero el principal rol es el mencionado Alidoro: como avanzadilla del príncipe, se hace pasar por un mendigo que únicamente busca una persona bondadosa, quedando prendado por el buen corazón de Angelina(Cenicienta). Prácticamente, como asesor del príncipe Ramiro, trata de mediar por la joven, despreciada por el padrastro Don Magnífico y sus hermanastras Tisbe y Clorinda. En este aria muestra su aspecto más visual, más cercano a la hada de los cuentos, la persona capaz de lograr que la joven pueda acudir a la fiesta de forma merecida…por su bondad. La interpretación, como decía antes, debe ir acompañada por cierta “magia”.

Si hay una palabra que lleva consigo esta escena sería “positividad”. Si bien la primera parte(recitativo y comienzo del aria en sí) es músicalmente mejor en lo lírico, la segunda parte(“Un crescente mormorio”) nos atrae porque aporta un plus de entusiasmo,ilusión que, sinceramente, anima a la gente a sonreír…a ser feliz y sentirse idnteificado con la joven ,constantemente humillada, pero que recibe el merecido premio por ser un ejemplo de humildad y bondad.En sí, es un aria en el que prevalece la voz del cantante sobre la orquesta y que debe mostrar las clásicas cualidades de los papeles rossinianos de corte “buffo”.La escena original que escuchamos aquí, fue sustituida cuando Rossini pudo contar, tres años después, con un cantante de su agrado.

Escena: recitativo y aria “Là del ciel nell’arcano profondo”

ALIDORO
Sì, tutto cangerà. Quel folle orgoglio
Poca polve sarà, gioco del vento;
E al tenero lamento
Succederà il sorriso.

(chiama verso la camera di Cenerentola)

Figlia… Figlia…

CENERENTOLA
(esce e rimane sorpresa)
Figlia voi mi chiamate? Oh questa è bella!
Il padrigno Barone
Non vuole essermi padre; e voi… Peraltro
Guardando i stracci vostri e i stracci miei,
Degna d’un padre tal figlia sarei.

ALIDORO
Taci, figlia, e vien meco.

CENERENTOLA
Teco, e dove?

ALIDORO
Del Principe al festino.

CENERENTOLA
Ma dimmi, pellegrino:
Perché t’ho data poca colazione,
Tu mi vieni a burlar? Va’ via… va’ via!
Voglio serrar la porta…
Possono entrar de’ ladri,
e allora… e allora…
Starei fresca davvero.

ALIDORO
No! Sublima il pensiero!
Tutto cangiò per te!
Calpesterai men che fango i tesori,
Rapirai tutti i cuori.
Vien meco e non temer: per te dall’Alto
M’ispira un Nume a cui non crolla il trono.
E se dubiti ancor, mira chi sono!

(Nel momento che si volge,
Alidoro getta il manto.)

Là del ciel nell’arcano profondo,
Del poter sull’altissimo Trono
Veglia un Nume, signore del mondo,
Al cui piè basso mormora il tuono.
Tutto sa, tutto vede, e non lascia
Nell’ambascia perir la bontà.
Fra la cenere, il pianto, l’affanno,
Ei ti vede, o fanciulla innocente,
E cangiando il tuo stato tiranno,
Fra l’orror vibra un lampo innocente.
Non temer, si è cambiata la scena:
La tua pena cangiando già va.

S’ode avvicinarsi una carrozza.

Un crescente mormorio
Non ti sembra d’ascoltar?..
Ah sta’ lieta: è il cocchio mio
Su cui voli a trionfar.
Tu mi guardi, ti confondi…
Ehi ragazza, non rispondi?
Sconcertata è la tua testa
E rimbalza qua e là,
Come nave in gran tempesta
Che di sotto in su sen va.
Ma già il nembo è terminato,
Scintillò serenità.
Il destino s’è cangiato,
L’innocenza brillerà.

Voces magistrales: Ileana Cotrubas

Una vez más, para realizar esta entrada debo poner de relieve un aspecto en mis inicios de este mundo lírico. Ileana Cotrubas es la soprano de las dos primeras óperas que escuché. Aquí comencé a saber quién es Ileana Cotrubas, en este dúo con Piero Cappuccilli, en una versión de Rigoletto. Poco después fue una retransmisión de TVE de una versión de “La bohème”, con Neil Shicoff desde el londinense Royal Opera House Covent Garden.

Nacida en 1939 en Gala?i, una ciudad de Rumanía, se mostró casi como un prodigio musical con una vocación inmensa, en la que influye su padre,tenor en un coro amateur. Con nueve años, entró en un coro de niños y, poco después, ya tenía un papel importante. Estudió en Bucarest en una escuela especial de música(piano, violín y acordeón) pero no pudo acceder hasta los 19 años en el Conservatorio para las clases de canto.

Su debut llegó en 1964 con el rol de Ynoid en “Pélleas et Melisande”,de Debussy en el Teatro de la Ópera de Bucarest.Tras un ganar un premio en un concurso de canto en la holandesa Bolduque, su carrera de soprano se hizo más internacional.Entre 1968 y 1971 estuvo en la Ópera de Frankfurt tras varios éxitos anteriores.Ya comenzaba, pues, a ser un valor tenido en cuenta.Fue una época prolífica donde debutó en Glyndebourne como Melisande o Tatiana(“Eugene Oneguin”, de Tchaikovsky) en el ROH Covent Garden o Pamina(“Die Zauberflöte”, de W.A. Mozart) en la ópera de Viena. El inicio de su definitivo éxito internacional llegó en 1975 con “La bohème” a un cuarto de hora de comenzar la representación, en la que debía sustituir a Mirella Freni.


Durante diez años actuó en varias ocasiones en el Metropolitan Opera House, desde su debut en 1977 como Mimì en “La bohème” hasta Micaela en 1987, en la ópera Carmen.Volvió a una gala cuando ya se había retirado de los escenarios en 1990. Casada con el director de orquesta Manfred Ramin, esa relación también ha ayudado a guiar su recorrido musical y vocal, asumiendo nuevos roles y dejando otros. Con todo, resulta llamativo que dejase la interpretación en los escenarios con apenas 51 años.En sus últimos años sobre el escenario comenzó su periplo en recitales hasta que decidió terminar su recorrido por el mundo lírico.

Tras ese paso por los recitales,dedicó su vida a la formación de jóvenes valores en el mundo de la lírica,realización de masterclass,etc. Otra faceta llamativa es su actitud crítica con los directores escénicos, tanto en su época de cantante como posteriormente. En más de una ocasión decidió irse de una representación tras enfados con varios directores de escena.

Momentos memorables:coro a bocca chiusa Madama Butterfly

El fabuloso fracaso de “Madama Butterfly” en 1904 generó una serie de mejoras en la ópera y que supusieron un gran éxito en el reestreno y, sobre todo, una posterioridad en algunos de esos fragmentos. En la cabecera de estas mejoras está el célebre añadido del aria de tenor “Addio, fiorito asil”, que facilitó que los cantantes acogieran un rol tan antipático como Pinkerton. Otra mejora importante fue partir en dos el acto segundo, generando de ahí el tercer acto final cuando se culmina la ópera con el terceto(Suzuki,Sharpless, Pinkerton),el mencionado aria y la aparición de Kate, esa mujer americana cuya mención mete Puccini en el primer acto. El final consabido es triste: la joven Cio-Cio-San decide quitarse la vida al ver como le quitaban el hijo, su único motivo de vida. Esa separación del acto segundo en dos(en algunos lados se ve como segunda parte del segundo acto o tercera temporada) se culmina con un coro de pescadores a bocca chiusa, a boca cerrada, como una especie de susurro y con el que, como escribíamos, termina el acto II mientras Madama Butterfly acuesta a su hijo, esperando la llegada de Pinkerton.

Musicalmente, llama la atención el uso del pizzicato en los violines mientras las voces de tenores y sopranos del coro van llegando a nuestros oídos como si estuviera a cierta lejanía.Los músicos encargados de las flautas acompañan a los violines. En sí, quien acompaña las voces del mencionado coro a bocca chiusa es un instrumento de cuerda llamado viola de amor.Puccini quiso, en esta escena inocente de unos simples pescadores con su faena, recordarnos el tema de la carta que, unos instantes antes, leyeron Madama Butterfly y Sharpless y, por tanto, recordarnos que si el barco de Pinkerton ha llegado a la isla es para dejar a la joven. Para no cantar de forma clara un texto determinado, esta bocca chiusa tiene el encanto de decir mucho sin apenas esbozar una sílaba.

Sobre la ópera:Veinte años del Teatro Real

Marc Piollet quizás sepa la efeméride cuando coja la batuta el próximo 11 de octubre de 2017. Lo más posible es que, desde la dirección del Teatro Real, se le comente que veinte años antes se abrieron las puertas del nuevo recinto operítisco de referencia en el mundo de la ópera. El incendio que sufrió el Gran Teatro del Liceu en 1994 había dejado a España sin un lugar cumbre en el mundo de la ópera hasta este estreno que, en cierto sentido, era una reinauguración ya que el Teatro Real existía desde mediados del siglo XIX-aunque la primera piedra se puso en 1818, la construcción se prolongó,entre interrupciones, hasta 1850- pero que, para unas pocas generaciones de madrileños, sólo fue una sala de conciertos.

El primer periplo del Teatro Real duró entre 1850 y 1925 y tuvo sus luces y sus sombras. Estuvo en manos públicas pero también privadas y gozó de los grandes cantantes de la época. Tuvo, por ejemplo, el triste honor de ser el último escenario que pisó el gran tenor navarro Julián Gayarre antes de morir unos días después. Aquella representación de “Los pescadores de perlas”, de Georges Bizet quedará en el recuerdo.Pero, independientemente de eso, tuvo su estrella y vio a los grandes cantantes de la época…hasta que llegó 1925,año en el que se dictaminó por la autoridad el cierre del teatro madrileño por problemas de estructura que hacían temer un peligroso accidente.

Durante cuarenta años de visicitudes, dificultades varias, el recinto estuvo cerrado por obras. Se procedió a reformarlo de arriba a abajo. Se abrieron las puertas en 1966 con un concierto en el que estuvo el Orfeon Donostiarra y la Orquesta Nacional. Durante más de dos décadas cumplió con su faceta de auditorio y sede del Real Conservatorio Superior de Música. Como anécdota, fue sede del concurso de Eurovisión en 1969 en la única emisión efectuada desde España. A partir de 1988 ya se procedió a cerrar el Teatro Real para darle la fisonomía requerida para poder representar óperas

El 11 de octubre de 1997 volvía a abrir sus puertas con una ambiciosa temporada con algunas primeras figuras.Durante todo este tiempo se han ido representando óperas conocidas, otras desconocidas tuvieron la opciòn de ser mostradas sobre el escenario, por no hablar de algunos estrenos mundiales como “Brokeback mountain”, de Charles Wourinen,etc. Ha tenido la posibilidad de ver a Plácido Domingo en sus facetas de tenor, barítono y director de orquesta. Desde 2013 cuenta con Joan Matabosch como director artístico, quien ya ejerciera este cargo en el Gran Teatre del Liceu desde 1997. Para terminar el artículo os dejamos el tráiler de esta temporada y su programación.

Atril de honor: Antonio Pappano

Aunque es nacido a finales de 1959 y, por tanto, tiene 57 años, Antonio Pappano tiene dos aspectos que lo hacen llamativamente “joven” en este mundo: mantiene una apariencia juvenil a pesar de los años y, por otro, es considerablemente activo en este tema de las redes sociales(su cuenta Facebook muestra gran actividad, al igual que el canal de Youtube), lo que sumado a sus aportaciones dentro del campo divulgativo, ayudan a forjar una imagen más cercana al público que se pretende convencer sobre las virtudes de la música clásica.

De origen italiano, sin embargo su vida y sus primeros pasos musicales se dieron en Inglaterra y, desde los trece años, en Estados Unidos. Su vocación le había llevado primero al manejo del piano-de hecho es una de sus cualidades que le permitió llamar la atención de un director del renombre de Daniel Barenboim-, además de formarse en la composición y en la dirección orquestal. Con 21 años entró a trabajar en la New York Opera City como pianista acompañante en los ensayos(verán en youtube varios ensayos con grandes figuras del canto y él al piano). Como decíamos, con Barenboim comenzó su estela como director, ya que fue como asistente del director judío en 1986 al festival de Bayreuth. Su debut como tal, en el foso de la orquesta, llegó en 1987 en Oslo. Tres años después, ya estaría dirigiendo en el Royal Opera House Covent Garden.Además, tuvo la dirección de Den Norsk Opera, la Ópera y Ballet Nacional de Noruega.

Entre 1992 y 2002 fue director musical del teatro belga de la Monnaie/De Munt. Volvió a Bayreuth entre 1999 y 2001 como director en las representaciones.Desde 2002 hasta la actualidad es director musical del mítico teatro de ópera londinense(ROH Covent Garden) siendo, en su día, el director más joven en dirigir allí. Desde 2005 también está al mando de la Orquesta de la Accademia de Santa Cecilia, en Roma, amén de haber sido principal director invitado de la Orquesta Filarmónica de Israel(1997-1999). A esta actividad se suma su trabajo divulgativo en BBC, donde hacía un programa sobre las voces en la ópera.Aparte de direcciones musicales, obviamente ha estado dirigiendo en los grandes teatros de ópera del mundo. Su trabajo, especialmente en Italia y Reino Unido le ha servido para recibir grandes honores en sendos países(de hecho, es Sir Antonio Pappano).

Si antes comentábamos su trabajo divulgativo, incluso a través de series de vídeos sobre las óperas, ensayos,etc, no podemos olvidar ese legado que dejará el día que decida poner fin a su vida profesional: grabaciones de las óperas tanto en el formato audiovisual- o solo audio-, aparte de trabajos de música clásica y recopilatorios que ha realido con algunas de las grandes figuras de la ópera como Jonas Kaufmann, Anna Netrebko, Plácido Domingo,Joyce di Donato,etc. Un elenco de obras que, obviamente, irá creciendo en los próximos años.

(https://www.youtube.com/watch?v=lk7y1z3QAXM  Donatella Flick LSO)

Destacamos, por encima de todo, el canal dedicado a Antonio Pappano en Youtube, haciendo principal referencia a sus masterclass, a los ensayos, a las disquisiciones musicales,entrevistas,etc). Recomiendo, a falta de una web oficial-amen de menciones donde trabaja- una entrevista que realizó el año pasado a “Melómano digital” donde se pueden leer algunos de los aspectos más llamativos de su forma de pensar y sentir la música.

Momentos memorables: Maria(West Side Story)

“West Side Story”, la obra que compuso Leonard Bernstein tiene una consistencia argumental y musical que  ha hecho debatir a mucha gente sobre si estamos ante un musical, una opereta o, directamente, una ópera..Además, hay que añadir dos argumentos para el debate: uno es el argumento; otro es la anécdota relacionada con el “Met”. El argumento está relacionado con una adaptación maravillosa del “Romeo y Julieta” de William Shakespeare, llevado al Nueva York de mediados del siglo XX. La obra del escritor inglés ya había tenido versiones líricas con las conocidas “Roméo et Juliette”(Charles Gounod), “I capuleti e i montecchi”(Vincenzo Bellini) e, incluso, de ballet con la música de Prokofiev o sinfónica(H. Berlioz). La célebre historia de amor imposible en un mundo de odio entre bandos, tuvo su episodio en las bandas juveniles neoyorkinas. Respecto a la anécdota, el Lincoln Center-donde está enclavado entre otros el Metropolitan Opera House- fue construido en esa zona donde se desarrolla la película de Natalie Wood y Richard Beymer, en sus roles principales. De hecho, se tuvo que esperar a que terminara el rodaje para demoler algunos de esos edificios para construir el coliseo operístico neoyorquino.

En sí, es un fragmento, aria o, incluso como diría el propio José Carreras al divulgador musical Ramón Gener en el programa catalán “Òpera en texans”, una romanza(11 min-30 segundos). Un inicio parecido a un recitativo en el que juegan el fagot y el violín “poco a poco sin sordina” para crear una atmósfera en el que Tony se va, poco a poco, enamorando de esa joven a la que ha encontrado en el gimnasio donde había sido citado por Riff.Por entonces, no imaginaba a ser un amor tan complicado.Luego, podríamos definir la intervención orquestal a partir de “I’ve just me a girl named Maria” y que tiene la bella particularidad de esa dicotomía entre “dilo alto y suena como la música”(con la orquesta en su esplendor…”Say it loud and there is music playing”) y “dilo de forma suave y casi será como rezar”, cuando sólo son los instrumentos de cuerda los que hagan que el espectador perciba ese sentimiento(say it soft and it is almost like praying). No podemos obviar, el esfuerzo vocal del cantante(en este caso, nos aferramos al rol de tenor) cuando trata de invocar con ese “Maria, Maria” que, como decía el propio Bernstein a Carreras, “debes respirar,debes seguir durante horas”.(texto que he marcado en negrita)

Para terminar, recomendamos el visionado de uno de los vídeos que recuerdan el “making-off” de la versión discográfica con José Carreras, Kiri Te Kanawa o Tatiana Troyanos bajo la dirección del mismísimo Leonard Bernstein sobre la grabación de la propia “Maria”.

Escena: Maria

TONY
(spoken)
Maria . . .
(sings)
The most beautiful sound I ever heard:
Maria, Maria, Maria, Maria . . .
All the beautiful sounds of the world in a single word . .
Maria, Maria, Maria, Maria . . .
Maria!
I’ve just met a girl named Maria,
And suddenly that name
Will never be the same to me.
Maria!
I’ve just kissed a girl named Maria,
And suddenly I’ve found
How wonderful a sound
Can be!
Maria!
Say it loud and there’s music playing,
Say it soft and it’s almost like praying.

Maria,
I’ll never stop saying Maria!

Maria, Maria, Maria

Say it loud and there’s music playing,
Say it soft and it’s almost like praying.

The most beautiful sound I ever heard.
Maria.


Voces magistrales: Sergei Leiferkus

Hay cantantes que te dejan marcado en la primera ocasión que los ves/oyes; luego hay otros en los que tardo en captar su “arte”. En el caso de Sergei Leiferkus, mi primera referencia vino de una interpretación como Yago en Otello. Ojo, fue una buena interpretación pero era una producción en la que, anteriormente, ya había visto a Renato Bruson y me había quedado un poco con esas referencias de actuación del personaje. Hace poco, cuando empecé a ir mirando Eugenio Oneguin(Chaikovsky) para esta web, encontré una versión interesante y que lo tenía como protagonista principal.

Nació en Leningrado, actual San Petersburgo, en 1946. Estudió en el conservatorio de la ciudad y debutó durante sus estudios de canto con una interpretación en una opereta de Kálman llamada “Die Zirkusprincessin”.Ganó un concurso de canto en honor a Glinka en 1971. Al año siguiente se unió al Teatro Maly Musorgsky. Hasta que entró en el Teatro Mariinsky en 1979, fue haciéndose un nombre en su patria.

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El comienzo de su periplo internacional comenzó en las tierras irlandesas de Wexford , donde se suele realizar un festival de ópera.Un año después, fue Berlín. A finales de los ochenta ya era un asiduo del teatro londinense del Covent Garden; poco después del Metropolitan Opera House.Ha sido más un cantante más proclive a los recitales que al trabajo teatral.Junto a esta faceta, hay que destacar su actitud en beneficio de la formación de jóvenes cantantes mediante la enseñanza y la realización de masterclass en varias ciudades como, por ejemplo, Londres.

Su repertorio de barítono está en torno a los cincuenta personajes entre los que destacan los de su patria rusa, especialmente Chaikovsky.Pero tampoco hay que olvidar algunos de sus roles verdianos(Yago, Nabucco,Macbeth,Amonasro, Don Carlo di Vargas) en los que se requiere dotar una gran personalidad a la interpretación. Otros personajes nos llevan a Mozart(Don Giovanni) o Richard Wagner en las óperas Lohengrin, Das Rheingold o Parsifal. Sobre la discografía o audiovisual, destacan varias producciones del Teatro Mariinsky, en su ciudad natal San Petersburgo pero también en el londinense Covent Garden,etc.Aparte, recopilatorios de fragmentos,especialmente de Musorgsky.

Terminamos esta entrada con dos clásicos: ver más información sobre el propio barítono-aunque no consta una web oficial, está su mención en el propio teatro Mariinsky-;también os sugiero la entrevista que he puesto y que cuenta con su servicio de subtitulado.Por último, os indico el acceso al canal Youtube de Leiferkus.

Momentos memorables:Mon cœur s’ouvre à ta voix

Si hay un momento de referencia en el que la seducción llama a la puerta de la ópera, ese es “Mon cœur s’ouvre á ta voix” de la obra de Camille Saint-Säens, “Samson et Dalila”, la célebre historia bíblica de aquél hebreo, líder de su pueblo, que perdía su poder y su fuerza sobrehumana si se quedaba desposeído de su larga cabellera. Sansón, obnubilado por la filistea Dalila, acaba cediendo al deseo hacia ella, entre grandes esfuerzos de mostrarse firme, viéndose traicionado. Sólo ún último sacrificio de su propia vida le permite recuperar la fuerza sobrenatural para lograr derribar las columnas del templo donde está preso y matar a los filisteos que, con el sumo sacerdote de Dagon, estaban ahí para humillarlo. En sí, es una ópera-que asume en su primer acto un aspecto de oratorio- en el que engloba la dualidad entre el amor sensual que refleja Dalila y el deber honorable del personaje de Sansón. Muy a grosso modo, el interés del sumo sacerdote y Dalila por usar el amor para sonsacar un secreto puede recordar una escena de Aida: el interés de Aida-Amonasro por sacar de Radamès información importante respecto a las tropas egipcias, si bien la diferencia está en que la esclava sí estaba enamorada y la filistea actúa por odio y envidia…no exenta de gran capacidad de persuasión en la interpretación de “enamorada”.

Pero, a pesar de ese amor fingido, no vamos a negar en la belleza de esta seducción en el juego de los instrumentos de cuerda llevando el peso de esta escena en el que podemos percibir tres partes: una más emotiva al principio por parte de Dalila, buscando las dulces palabras de amor de Sansón mientras los escasos instrumentos de viento-madera actúan alternando con la voz de la mezzosoprano; luego nos encontramos con una intervención del arpa para crear una atmósfera de “responde a mi ternura, vierte sobre mí tu amor” y que luego se volverá a repetir de nuevo, donde parecen lágrimas fluyendo de sus ojos.Tras el “Dalila, je t’aime” de Sansón, vuelve Dalila a seguir sacando su afecto hacia él. Aquí, es llamativo el uso rítmico de los instrumentos de viento(flauta y clarinetes) para simular el movimiento ondulante de las espigas de trigo y que no había aparecido hasta este momento. Tras este instante volvemos a sentir, una vez más, esa parte que comentábamos antes con el arpa y Dalila reclamando que Sansón le diga que le quiere. Una seducción que podríamos decir…fatal.

Escena: “Mon coeur s’ouvre á ta voix”

DALILA
Mon cœur s’ouvre à ta voix
comme s’ouvre les fleurs
Aux baisers de l’aurore!
Mais, ô mon bien-aimé,
pour mieux sécher mes pleurs,
Que ta voix parle encore!
Dis-moi qu’à Dalila
tu reviens pour jamais!
Redis à ma tendresse
Les serments d’autrefois,
ces serments que j’aimais!
Ah! réponds à ma tendresse!
Verse-moi, verse-moi l’ivresse!

SAMSON
Dalila! Dalila! Je t’aime!

DALILA
Ainsi qu’on voit des blés
les épis onduler
Sous la brise légère,
Ainsi frémit mon cœur,
prêt à se consoler
À ta voix qui m’est chère!
La flèche est moins rapide
à porter le trépas,
Que ne l’est ton amante
à voler dans tes bras!
Ah! réponds à ma tendresse!
Verse-moi l’ivresse!

SAMSON
Par mes baisers
je veux sécher tes larmes
Et de ton cœur éloigner les alarmes.
Dalila! Dalila! Je t’aime!

Atril de honor: Ataúlfo Argenta

Era justo dedicar este espacio a uno de los grandes directores de orquesta que ha tenido España. Además, con la sensación de preguntarse cómo se habría desarrollado la carrera de este cántabro llamado Ataúlfo Argenta si no hubiese ocurrido ese fatal accidente-independientemente de tabús que han salido recientemente tras el libro de Ana Arambarri ” Ataúlfo Argenta.Música interrumpida”- que supuso el fallecimiento a la edad de cuarenta y cuatro años. Con una vida más o menos como la de otros grandes. De hecho, si lo comparamos con Georg Solti-nacido un año antes- podríamos ver en lo que se habría convertido en este mundo de la música clásica.

Nacido en 1913 en Castro Urdiales, su vocación musical llegó bien pronto y le permitió recibir pronto clases en su tierra natal como en Madrid, en el Real Conservatorio de Música. Destacar que sus primeros pasos profesionales llegaron con el piano. De hecho, con apenas diecisiete años ganó un Premio Extraordinario. Tras la muerte de su padre, su vida le llevó a Bélgica, donde siguió con su progresión. Añadió otro campo importante tras volver a Madrid: la dirección orquestal y que le permitió debutar en 1934.En su figura como director de orquesta destaca la figura importante de Juana Pallarés, su mujer.

La guerra civil cortó las alas temporalmente al director, movilizado en Segovia. Incluso en sus propias filas debió de luchar por no sufrir consecuencias. Durante tres años estuvo en Alemania(1940-1943) con su evolución musical, gracias a la intervención del pianista Winfried Wolf, primero convenciéndole de dar el paso, después gestionándole los medios para estar en Alemania. Durante ese periplo perfeccionó sus cualidades ante el piano hasta el punto de lograr un puesto de profesor en Kassel. En esa época vivió dos penalidades importantes: la primera fue el problema de la tuberculosis y también el inicio de los bombardeos en ciudades alemanas en lo que ya era el inicio del fin del III Reich. Haber estado con el ejército “nacional” en la guerra civil, estar en la Alemania durante el “nazismo”-sin implicar ello que estuviera de acuerdo con sus principios- no le salvó, sin embargo, de críticas dentro del estamento cultural español tras su regreso. De hecho, le costó lo suyo recuperar el camino perdido en España. Por desgracia, en España volvió a sentir ese defecto clásico de no valorar a sus artistas.

La Orquesta Nacional de España lo nombró director en 1947 en sustitución de su primer director, Bartolomé Pérez Casas.Además forma la Orquesta de Cámara de Madrid con la ayuda económica de Luis Urquijo en 1950. Por esa época también hace su debut con la Orquesta Sinfónica de Londres(London Symphonic Orchestra). Prácticamente, va creciendo con el paso de los años dirigiendo orquestas pero hay una que será relevante a partir de 1954: La Orquesta de la Suisse Romande. Estuvo dirigiendo hasta poco antes del accidente que le segó la vida en enero de 1958. Su legado discofráfico tiene un alto componente de música clásica española: desde zarzuela, música clásica española…e incluso un disco con música compuesta por compositores extranjeros con temática española.

Terminamos esta entrada no queriendo olvidar la figura de su hijo Fernando Argenta, quien ayudó a popularizar entre el público infantil la música clásica a través de una divulgación especial y que será objeto de una futura entrada en esta página. El propio Fernando Argenta reconoció que sus estudios pudieron ser sufragados mediante una beca de la Orquesta Suisse Romande. También recomendamos el visionado del reportaje que se realizó en 2013, con motivo del centenario del nacimiento del director de orquesta. Igualmente, recomendamos la lectura de su web oficial