Momentos memorables: Sia qualunque delle figlie

Volvemos a Rossini en esta sección de “Momentos memorables”. En esta ocasión, la elegida es la aria de don Magnífico en la ópera “La cenerentola”. Un ejemplo, como otros tantos que iremos desgranando por aquí, del “canto silabato”, esa técnica que muchos bajos bufos deben desarrollar en sus personajes. Los compositores dejaban a los personajes principales unos fragmentos en los que la voz y la melodía iban juntas dejándonos bellos espectáculos como “Una furtiva lagrima”, por ejemplo, o las célebres arias de la locura.Auténticos ejemplos de brillantez del tenor o de la soprano, esa coloratura que hacía fascinar al público. Mientras, para el bajo bufo la técnica era endiablada, donde el cantante debía mostrar otro tipo de agilidad vocal bien diferente que también era reconocida. El canto silabato lo que hace es que el cantante deba interpretar con gran solvencia las sílabas de la aria a una gran velocidad(a base de semicorcheas en la parte final y, por tanto, la sucesión de notas hace que el cantante deba estar muy preciso). A veces, el éxito del personaje en las represantaciones se somete a estos ejercicios apabullantes de destreza.Sobre la música y una vez destacado el valor de la voz

Sobre la aria, al comienzo del segundo acto, el argumento es básico. A pesar de la aparición de Angelina(o Cenicienta) en la fiesta, don Magnífico sigue creyendo que el príncipe está encandilado por sus dos hijas, Tisbe y Clorinda. Razones tampoco le faltan, pues si se descubre la realidad sobre Cenicienta, es decir, que es su hijastra pero que la ha dejado sin patrimonio, sería algo complicado. A pesar de la preocupación, aún piensa cómo va a ser su vida en la corte. Aunque al comienzo de la aria vemos algún ejemplo que otro de ese canto silabato, es a partir de la mitad de la aria, cuando comienza lo espectacular, cuando el octavino sustituye a la flauta para dar, junto a los instrumentos de cuerda la vorágine que hace espectacular esta aria, con rimas endiabladas cercanas a auténticos trabalenguas.

Aria: Sia qualunque delle figlie

Sia qualunque delle figlie
Che fra poco andrà sul trono
Ah! non lasci in abbandono
Un magnifico papà.
Già mi par che questo e quello,
Conficcandomi a un cantone
E cavandosi il cappello,
Incominci: sior Barone;
Alla figlia sua reale
Porterebbe un memoriale?
Prende poi la cioccolata,
E una doppia ben coniata
Faccia intanto scivolar.
Io rispondo: eh sì, vedremo.
Già è di peso? Parleremo.
Da palazzo può passar.
Mi rivolto: e vezzosetta,
Tutta odori e tutta unguenti,
Mi s’inchina una scuffietta
Fra sospiri e complimenti:
Baroncino! Si ricordi
Quell’affare, e già m’intende;
Senza argento parla ai sordi.
La manina alquanto stende,
Fa una piastra sdrucciolar.
Io galante: occhietti bei!
Ah! per voi che non farei!
Io vi voglio contentar!
Mi risveglio a mezzo giorno:
Suono appena il campanello,
Che mi vedo al letto intorno
Supplichevole drappello:
Questo cerca protezione;
Quello ha torto e vuol ragione;
Chi vorrebbe un impieguccio;
Chi una cattedra ed è un ciuccio;
Chi l’appalto delle spille,
Chi la pesca dell’anguille;
Ed intanto in ogni lato
Sarà zeppo e contornato
Di memorie e petizioni,
Di galline, di sturioni,
Di bottiglie, di broccati,
Di candele e marinati,
Di ciambelle e pasticcetti,
Di canditi e di confetti,
Di piastroni, di dobloni,
Di vaniglia e di caffè.
Basta, basta, non portate!
Terminate, ve n’andate!
Serro l’uscio a catenaccio.
Importuni, seccatori,
Fuori, fuori, via da me.
Presto, presto, via di qua

Atril de honor:Daniel Barenboim

Si algo destaca Daniel Barenboim es ser de hombre de mundo. Un director de orquesta nacido en Buenos Aires, que vivió en Israel, Salzburgo, Milán, Paris…,etc. Que ha hecho infinidad de kilómetros, otros directores de orquesta dirán lo mismo, que una persona ostente la nacionalidad española, argentina, israelí…y palestina ya es un mérito cuando esas nacionalizaciones le llegan por sus méritos en el podio, pero también por su lucha por la paz, de la que ha sido nominado para el Premio Nobel de la Paz. Ahí ya serán pocos los directores que podrán compararse. Además, su personalidad es apreciada.

Bien pronto llegó la vocación por la música, en especial, el piano. Comenzó con cinco años a aprender a tocar. Sus primeros profesionales llegaron a través del piano a pesar de que su familia le había mandado a aprender dirección de orquesta. Tocó el instrumento musical, por ejemplo, bajo la dirección de Furtwängler.Incluso, sus primeras grabaciones llegan como intérprete.

Debutó ante una orquesta en 1967, con la Filarmónica de Londres. Su primera dirección musical llegó en París, donde estuvo durante catorce años(1975-1989) al frente de la Orchestre de Paris. Otro debut importante llegó en el festival wagneriano por excelencia, Bayreuth. Entre 1992 y la actualidad compaginó la dirección musical de la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Deutsche Staatsoper, la ópera estatal alemana de Berlín.Entre 2007 y 2014, la dirección del teatro Alla Scala de Milán.Intervino también en el concierto de Año Nuevo, en Viena, en 2014(también en 2009) donde pudimos observar, a parte de una buena dirección, una particular forma de afrontar la célebre “Marcha Radetzky”, la pieza de Johann Strauss que se interpreta como colofón.

Además de su trayectoria como director de orquesta y las orquestas cuya dirección musical o artísticas asume, destaca por la creación a finales del siglo XX de una orquesta llamada “West-East Divan Orchestra” cuya intención es demostrar que la música puede ayudar a romper con los problemas que se dan entre Israel y Palestina. Para ello, quiso contar con gente judía y palestina entre sus músicos, como modo de integración. Barenboim y Edward Said recibieron, por ello, el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia en 2002. No le salió tan bien el intento de llevar a Wagner a Jerusalén, queriendo desligar al compositor de Leipzig y su música de las ideas del nazismo. Consideramos que este vídeo es el mejor para resumir su labor en la busca de la paz. Si Nelson Mandela pretendió unir un país, Sudáfrica, con el deporte, Daniel Barenboim lo pretendió con la música.

Terminamos con este vídeo que nos va a permitir conocer su opinión sobre cómo escuchar la música. De gran interés. Además, como hemos hecho otras veces, os damos a conocer su web oficial donde podrán profundizar acerca de este director célebre.

Momentos memorables: Tu, che di gel sei cinta

Aunque forma parte de una escena en la que sigue siendo protagonista Liù, esta pequeña aria final son las últimas notas que compuso Giacomo Puccini para la ópera Turandot. La muerte del compositor en Bruselas dejó sin concluir la ópera y fue Franco Alfano quien terminó la ópera. Estrenada en 1926, Toscanini decidió, desde el podio del director, finalizar la ópera en el momento en el que murió el compositor. La escena, argumentalmente, es conocida. Tras el acertijo de Calaf a Turandot(“dime mi nombre antes del alba, y a la alba moriré”, ya que nadie, en ese momento, sabe el nombre del extranjero desconocido que, al final, sí lo acaba revelando a la princesa), encuentran a Liù y Timur rondando y forzándolos a que revelen el nombre. Liù se niega a decirlo entre tormentos. Sorprendida Turandot por el sacrificio de Liù, puedo afirmar que la joven, esclava y sirvienta de un ciego Timur, un destronado rey tártaro, es la que comienza a “descongelar” a la gélida(y ciertamente caprichosa) princesa. El segundo sacrificio-el del propio Calaf quien, desquiciado por ella, revela su nombre- explica, sin duda, el bello final, cuando Turandot acaba revelando otro nombre diferente…”il suo nome è amore”.

La gravedad del asunto es tal-Liù sabe que la única manera de salvar a Calaf es con su sacrificio, un sacrificio de amor- que la música que le acompaña en las primeras notas es la instrumentación de viento(especialmente, el fagot y el oboe). Cuando ella revela su intención(antes de esta aurora, cierro los ojos para que él viva aún), el pizzicato de los violonchelos se van incorporando para darle ese sentimiento que nos acompañará, con más intensidad, en la repetición de estas mismas frases. Los instrumentos de cuerda van a aportar, ahí, más dramatismo mientras los de viento-madera van a seguir la melodía de la aria y que nos dejará con cierto sabor amargo por el final, donde esos tres calderones finales(incluso para Liù) van a terminar con el suicidio de la joven ante la sorpresa del pueblo, Turandot y Calaf, aterrado.

Aria: Tu, che di gel sei cinta
LIÙ
Sì, Principessa, ascoltami!
Tu che di gel sei cinta,
da tanta fiamma vinta,
l’amerai anche tu!
Prima di questa aurora,
io chiudo stanca gli occhi,
perchè egli vinca ancora…
Per non… per non vederlo più!
Prima di questa aurora,
io chiudo stanca gli occhi
per non vederlo più!
FOLLA
Parla! Parla!
Il nome! Il nome!

CALAF
Ah! Tu sei morta, tu sei morta,
o mia piccola Liù!

TIMUR
Liù! Liù! Sorgi! Sorgi!
È l’ora chiara d’ogni riveglio!
È l’alba, o mia Liù…
Apri gli occhi, colomba!

PING
Alzati, vecchio! È morta!

TIMUR
Ah! Delitto orrendo!
L’espieremo tutti!
L’anima offesa,
l’anima offesa si vendicherà!

Voces magistrales: Bryn Terfel

Galés de la cabeza a los pies, que hace patria de su tierra cuando puede, Bryn Terfel es uno de los grandes bajos-barítonos de comienzos del siglo XXI. Sí, estaba en activo desde 1990, había logrado algunos de sus debuts importantes en los grandes teatros, pero la consolidación en el top ten ha llegado con la entrada del nuevo siglo y a lo largo de estos quince años.

Sus primeros pasos fueron sencillos: un amigo le enseñó a cantar pero el principal hecho fue ir a Londres en 1984, para entrar en el Guindhall School of Music and Drama.En esa época acudió a varios concursos de canto destacando uno como fue el BBC Cardiff Singer of the World, donde quedó segundo por detrás de Dimitri Hvorostovsky en 1989. Su debut llegó como Guglielmo en Così fan tutte(W.A. Mozart), en la compañía galesa WNO(Wales National Opera). Sus intervenciones primeras fueron dentro del repertorio mozartiano y pocas óperas más. Su Fígaro le abrió las puertas del Metropolitan Opera House, La Scala de Milán, Covent Garden, San Carlos(Lisboa), Viena.

Ya en 1996 comenzó a incluir en su repertorio, que ya comenzaba a contar con otros compositores(Mahler, Richard Strauss,Sullivan), a Richard Wagner y Stravinsky.En el final del siglo XX, consigue interpretar el papel de Don Giovanni tras haber interpretado a Masetto y Leporello.Del compositor de Leipzig, destaca su interpretación como Wotan en el Metropolitan, donde llevó a cabo este papel en el Anillo de los Nibelungos, que también llevó a cabo en Londres. Otros papeles son los de Wolfram en Tannhäuser, la del propio holandés errante, Sachs(Los Maestros cantores de Nüremberg).

También hay otras facetas llamativas de este imponente galés: su labor como creador, en su día, del Faenol Festival(del que hubo claros y sombras), la discografía generada tanto de ópera como de canciones(algunas dedicadas a su patria) y, sobre todo, su presencia en recitales y en producciones como la que protagonizó de Sweeny Todd, con Emma Thompson como compañera. En el caso del vídeo, les recomendamos este dúo con Desirée Rancatore.

Finalizamos con la proposición de una web oficial que no es propia del cantante, pero sí de sus seguidores más fieles.Símbolo, pues, inequívoco del aprecio generado por sus actuaciones tanto en los teatros como en otros escenarios más populares. Además, su porte importante y un gesto que, a primera vista, parece afable facilita el resto. Destacamos, igualmente, su labor caritativa que le hace ser presidente de una organización caritativa para “sin techo”, llamada “Shelter Cymru”, y patrón de otra asociación que aporta terapias por una enfermedad neurológica. Dejamos un último vídeo con su interpretación del célebre “The impossible dream”, del musical “El caballero de la Mancha”(Man of La Mancha).

Momentos memorables: Tutto nel mondo è burla

Aunque habrían revisiones de la propia obra y otras, se podría catalogar como las últimas notas de una ópera de Giuseppe Verdi. “Falstaff”, la obra del compositor italiano, está basada en la comedia de Shakespeare “Las alegres comadres de Windsor”. Tras más de medio siglo, Verdi regresaba a la comedia para querer quitarse esa espina, cuando el estreno del mentado “Un giorno di regno” resultó un golpe para Verdi. Fallecida su familia entre 1838 y 1840, incluso se planteó regresar a Busseto. En 1893, su carrera acaba como uno de los grandes y es, en ese momento, cuando se planteó una nueva comedia que, con la ayuda de Boito como libretista, tuvo un sonoro éxito. Aunque hay fragmentos que aparecerán en esta web, el que vamos a comentar es el célebre final “Tutto nel mondo è burla” en el que todos los personajes interpretan unas escasas pero significativas líneas en las que, más de una vez, se ha indicado que era el propio pensamiento del mismo Giuseppe Verdi, con sus 80 años a la espalda.

Obra cómica muy basada en el embrollo argumental, con escenas que incitan a la sonrisa(y pocos momentos para el lucimiento personal), acaba con el propio Falstaff reconociendo la burla/escarmento de la que ha sido objeto por parte de Alice, Meg y Mrs. Quickly. No es un gesto de enojo, fastidio sino de “bueno, me han pillado”(Mi argucia crea la argucia de los otros) y celebremos que ha pasado todo. Ese “Todo hombre se ríe de los demás mortales, mas ríe mejor quien ríe el último” es, sin duda, la gran frase de Falstaff.

Musicalmente, la clave de esta escena o “fuga” es la superposición de cada uno de los personajes en esta moraleja final en la que, desde el propio Falstaff, siguiéndole Fenton, Mts. Quickly hasta el resto de personajes de la obra que van cantando toda la estrofa final mientras la orquesta se mueve en un allegre brioso, donde todo ayuda a crear una atmósfera intensa.

Escena:Tutto nel mondo è burla

FALSTAFF
Un coro e terminiam la scena

FORD
Poi con Sir Falstaff,
tutti, andiamo a cena.

TUTTI
Evviva!

FALSTAFF
Tutto nel mondo é burla.
L’uom é nato burlone…

TUTTI
Tutto nel mondo è burla.
L’uom è nato burlone,
La fede in cor gli ciurla,
Gli ciurla la ragione.
Tutti gabbati! Irride
L’un l’altro ogni mortal.
Ma ride ben chi ride
La risata final.

Atril de honor: WIlheim Furtwängler

Merecía Wilheim Furtwängler estar en este atril de honor. Uno de los grandes directores de orquesta de la primera parte del siglo XX, además fue compositor de fama. Sin embargo, hay una partede su pasado que es un tema que no se termina de aclarar, aunque se decanta más a favor del director alemán: su relación con el partido nazi.Quizás no merecía ser recordado por esa faceta y más por su música.

Nacido en 1886 en Berlín, parte de su interés por la música bien puede venir por el entorno familiar en el que vivía. Estudió música y con gran admiración hacia Beethoven.Aunque su primer caminoapuntaba a la composición musical, la dirección orquestal acabó siendo su profesión. Debutó con la Orquesta Kaim( que en 1928 acabó asumiendo el nombre de Orquesta Filarmónica de Munich pero que, en ese momento, llevaba el apellido de su fundador) y la Novena sinfonía de Bruckner. Entre 1915-1920 fue Hofkapellmeister en la Opera de Mannheim y su academia de música, sucediendo a Bodanzky. Entre 1922 y 1928 en la Orquesta Gewandhaus de Leipzig. En esta época se van concretando algunos destinos. Así, la muerte de Nikish le abre las puertas de la mencionada orquesta de Leipzig y, sobre todo, la filarmónica de Berlín entre 1922 y 1945 y a la que volvería entre 1952 y 1954, año de su muerte. Sin olvidar la Staatskapelle de Berlín en la que está entre 1920-1922 y en 1933 de la Ópera(Staatsoper Unter den Tilen).

Aparte de direcciones musicales, Wilheim Furtwängler dirigió en Londres entre otras cosas, el Anillo de los Nibelungos wagneriano en 1938. Beethoven no fue su único ídolo, Wagner también podría ser catalogado así. El director berlinés dirigió el festival de Bayreuth entre 1927 y 1944. Además, destaca su grabación del Anillo de los Nibelungos para la RAI o el Tristán e Isolda para EMI. De haber nacido enla segunda parte del siglo XX la discografía sería, posiblemente, considerable. Como la primera vez que pude escuchar una dirección de Furtwängler fue con la ópera “Die Walküre”(Las valquirias), considero idóneo este archivo de su preludio.

El tema del apoyo nazi, parece que todo va a apuntar a algo que está ahí(en el vídeo observamos su dirección en una celebración personal de Hitler) pero que, en realidad, sería más forzado que otra cosa(pudo dirigir la New York Philarmonic Orchestra en 1935 pero unas conversaciones le hicieron que se quedara en Alemania. Es decir, es cierto que se quedó en Alemania pero su trayectoria, los hechos que le acompañaron a lo largo de esa década maldita entre 1935 y 1945 acabaron por quitar la mancha que le perseguía. Es más, su proceso de “desnazificación” fue breve. Contó con el apoyo de Yehudi Menuhin, entre otros, para demostrar que su único motivo de actuar era la música y que, en muchas ocasiones, había arriesgado su propia seguridad en beneficio de sus colegas.

Terminamos como solemos hacerlo. Mostramos un vídeo en el que podemos verlo dirigir en un ensayo. Aunque no conozcamos el idioma, la cara y los gestos ayudan un poco a entender su forma de dirigir que, algunos, llegan a precisar de movimientos torpes pero que resaltan su dirección con todo. También con una web oficial, obviamente, realizada por admiradores del director alemán. Se puede leer en inglés y francés.

Momentos memorables.Obertura de Tannhäuser

Volvemos a Richard Wagner y la obertura de Tannhäuser, ópera estrenada en Dresde en 1845. Una historia de seducción pero, sobre todo, de redención. Ambos conceptos, por cierto, se perciben en esta pieza de forma alternada. La ópera, en sí, juega con estos dos aspectos, desde el principio. Así, cuando Tannhäuser está con la diosa del amor, luego su deseo de ir a Roma(como símbolo de penitencia), la mención al amor carnal que hace Tannhäuser en el concurso de canto en Wartburg, su penitencia a Roma donde no recibe el perdón papal y, para terminar, su redención en la que influye la muerte de Elisabeth, donde el amor puro supera al carnal. El argumento en sí, es más complejo, con más giros argumentales pero el peso está en ese perdón papal que Tannhäuser “recibe”(a pesar de fallecer al final de la ópera) cuando su corazón se quedó con Elisabeth en vez de ir a los brazos de Venus.

Como indicaba antes, la obertura se mueve todo el tiempo entre esos temas entre la redención(o, mejor dicho, hablaríamos de penitencia)y el de Venusberg, el de la seducción, la tentación carnal. La redención la sentiremos después con más importancia en el coro de peregrinos del tercer acto y del propio final de la ópera con el perdón papal mientras que el de Venusberg lo sentiremos en la alabanza que Tannhäuser hace de Venus en el primer acto(Dir töne Lob!) y, sobre todo, en su reacción en el concurso de canto mencionado arriba, cuando crea un cisma que acaba con su peregrinación a Roma para pedir perdón a su amada Elisabeth. (Dir, Göttin der Liebe). Ambos temas, como he comentado, se van alternando creando un bello poema.


Sobre la ópera: La triple destrucción de Don José

Je me prenais à te maudire,
à te détester, à me dire:
pourquoi faut-il que le destin
l’ait mise là sur mon chemin
!”

Aprovechando que el gran programa de Ramón Gener “This is Opera”, estrenado el pasado domingo 8 de marzo en “La 2” de RTVE, dedicó su espacio a Carmen, quisiera dedicar este artículo sobre la figura de Don José, una persona que se ganó a pulso su imagen de celoso a lo largo del desarrollo de la ópera de Georges Bizet. Forma, pues, don José parte de un elenco “comandado” por Otello y acompañado con otros personajes como Canio(I Pagliacci),Alfio y Santuzza(Cavalleria Rusticana) o, en menor grado, Alfredo Germont(desconociendo el sacrificio de Violetta, sus celos le llevan a ir a por el barón Douphol) o, incluso, la pregunta de triste duda de Belmonte a Konstanza en el singspiel “Der Entführung aus dem Serail).

En Don José se observa, sin ser justificación a su acción final, una triple destrucción que se plasma en la evolución a lo largo de la ópera: si en el acto I era un cabo de regimiento, casi mano derecha del teniente Zuñiga, en el acto final era un proscrito que había huido de la autoridad y aprovechaba esa situación para encontrarse con Carmen.

¿Cuál sería la triple destrucción de Don José?

- Rumbo perdido en lo emocional. Antes del encuentro con Carmen, José tenía en su mente Micaela. Quizás, la duda era si el afecto era tal por la chica o el deseo de obedecer a su madre. ¿Veríamos a un don José celoso entonces? Siempre quedará la duda, aunque el dúo de ambos reflejaría una forma de ser muy parecida y casta entre ambos. Resulta curiosa la diferencia entre este dúo con Micaela, lleno de emotividad, comparado con el final con Carmen, con una alta carga de patetismo y rabia.
- En lo profesional, el cambio es drástico a pesar de los esfuerzos para reconducirlo, como se ve en el acto II. En ese momento cuando el sonido de la retreta le hace pensar en volver al cuartel. Ya había sido castigado con un mes de calabozo por dejar a escapar a Carmen y degradado. Pero el deber es tal que se niega a desertar, prefiere abandonarla a dejar de ser ese “Dragón de Alcalá” que tan orgulloso le hace ser. El desarrollo es cruel y se encuentra, de repente, en el punto de no retorno…
- Golpeado por la desgracia. La suerte le abandona cuando Carmen le tira esa flor maldita. Seducido por la gitana, deja que se escape y eso le supone su primer golpe(si bien es cierto que es su mayor culpa y pena). En el segundo acto, cuando todo apuntaba a que se alejaba de ella, hastiado por su carácter caprichoso y frívolo, el destino le pasa una nueva mala jugada cuando aparece Zuñiga en ese instante. Es ese el punto de no retorno: donde sabe que nada puede hacer para reconducir su situación y acepta ser contrabandista porque su situación en el regimiento ya es inviable y, quién sabe, algo más grave. Para más inri, la presencia de Escamillo es más dolorosa para sus celos.

Lo decía don José, lo cantaba el tenor en su bella aria “La fleur que tu m’avais jetée”, y es lo que he dejado bien arriba…”Me encontré maldiciéndote, odiándote y preguntándome por qué el destino la había puesto en mi camino”. Pocas palabras resumen tan bien una ópera.

Voces magistrales: Angela Gheorghiu

De esta generación de nuevas “divas” que salen en el mundo de la ópera hay dos que sobresalen mediáticamente(es una opinión, que conste). Una es Anna Netrebko y la otra es Angela Gheorghiu. En ambas, su relación con otro cantante de ópera hizo que esas representaciones tuvieran ese “plus” de morbo. En el caso de Angela, su matrimonio con Roberto Alagna cubrió páginas de gloria y de escándalo que no beneficiaron a ninguno de los dos.

Nacida en la ciudad de Adjud a finales de 1965, su carrera lírica tuvo el toque de suerte de la apertura de Rumanía con la caída de Nicolae Ceaçescu a finales de 1989. Estudió en la National University of Music en la capital rumana con Mia Barbu. Su debut llegó al año siguiente, en 1990, como Mimì en Cluj. Además ganó un Premio en Viena, la competición internacional de canto Hans Gabor Belvedere. Una vez más, el rol de Mimì está presente en el debut internacional en 1992, en el Royal Opera House Covent Garden(como así se ve reflejado en su biografía en la web oficial). Es tan especial su relación con el rol de Mimì que se casó con Alagna, tras una representación en el Metropolitan.

En sí, su éxito fue explosivo. Aquí hemos podido leer excelentes cantantes que, con todo, habían tardado en llegar a los grandes teatros de ópera. Angela Gheorghiu, desde Londres, en apenas un par de años cantó en Viena, en el Metropolitan de Nueva York, logró una espectacular Violetta que quedó inmortalizada en DVD, con el episodio de los halagos de Georges Solti hacia ella. A lo largo de estos veintitrés años de carrera, su evolución en los grandes teatros ha hecho que su nombre sea tenido en cuenta para bien…

…y para mal. El carácter de Angela Gheorghiu también le ha hecho ganarse unos episodios nada agradables y despidos sonoros como el de Chicago, al ausentarse en algunos ensayos de La bohème. Algunas de sus entrevistas reflejan una forma de ser muy perfilada, que sabe cómo dirigir su carrera, el tipo de representaciones que quiere realizar(por la polémica con el Teatro Real), y el repertorio que quiere abarcar.

Su repertorio es eminentemente latino, con especial preponderancia de Puccini. Otra faceta en la que destaca es en la discografía que está dejando a los aficionados a la ópera, en la que destacan también discos de arias y dúos. Con el tiempo, se supone que aún le queda repertorio que cubrir en estas próximas dos décadas por lo que no se podrá precisar su evolución, quizás algunos roles más dentro del verismo y en las óperas de Verdi. Además, tiene una buena presencia sobre el escenario que hace que su nombre destaque más.

Terminamos esta entrada como es habitual en Operamania. Dejando vía libre para ver la web oficial de esta gran soprano rumana para su disfrute. Finalizamos con este vídeo que también resalta su actividad formando a la gente a través de masterclass.

Sobre la ópera: El día del padre…verdiano

Aprovechando que es día de San José y día del padre, pensaba que hoy era idóneo para tratar un tema que es conocido entre los aficionados a la ópera pero que quería comentarlo: la relación de Giuseppe Verdi y la figura del padre “verdiano”. Cerca de una veintena de óperas compuestas por el genial compositor de Le Roncole, una villita cerca de Busetto, cuentan con este rol. Algunos de esos personajes, además, son tan relevantes que su nombre está en la ópera: Rigoletto, Nabucco, Simón Boccanegra, Oberto, conte di San Bonifazio. Otros son importantes para el devenir de la ópera. En algunos casos, la presencia “paterna” dura un acto pero su presencia motivacional está latente(por ejemplo, la muerte del marqués de Calatrava, padre de Leonora y el vengador Carlos, a la caza de Don Álvaro), en otros no es tan relevante(por ejemplo, la relación de Ford y Nanetta). Incluso, la pérdida de la familia hace que el público acoja la bella aria de MacDuff “Ah, la paterna mano”.

El destino fue cruel con Verdi. Lo normal era que su vida hubiera estado ligada a su querida Margherita Barezzi, hija de su mentor, y sus hijos Virginia Maria e Icilio Romano. Pero, entre 1838 y 1840, fallecieron sucesivamente su hija, su hijo y, por último, su mujer. Giuseppina Streponi fue su compañera y mujer el resto de su vida hasta el fallecimiento de ella en 1897. Aunque pudo disfrutar , a partir de 1867, de la compañía de Maria, sobrina segunda, a la que convirtió en heredera universal, nunca volvió a ser padre. De ahí queda la duda sobre la figura del padre “verdiano” en la ópera y si, en esta figura, quiso Verdi aportar toda la energía pero también la compasión, la protección que no pudo aportar a sus hijos.

De cerca de veinte “padres”, voy a hacer una reflexión sobre algunos de ellos, los más célebres:

Rigoletto. La burla a Monterone le hace ganarse una “maledizione” a pulso. En la figura del bufón vemos el miedo a que su hija Gilda sea dañada en su virtud por el duque u otro cualquiera.El dolor que tiene cuando sabe que fue raptada le hace ir de la rabia a reclamar piedad. Esa rabia es especialmente clara en “Vendetta,tremenda vendetta”, la cabaletta del final del acto II. Su plan de venganza, para su desgracia, se lleva por delante la vida de su hija que, sorprendentemente, salva al Duque para ponerse ella en su lugar…de forma consciente.

Giorgio Germont En “La traviata” tenemos la figura de un hombre de familia, muy firme en sus convicciones pero que, al final, es consciente del error de exigir un sacrificio tal a Violetta de obligarle a dejar a Alfredo. Arrepentido de su error, con todo, su momento de redención con el público llega cuando llama la atención a su hijo tras el fiero insulto del último a la afligida extraviada y que es el inicio de un concertante sublime. La aria que refleja todo su ser es la célebre “Di Provenza il mar, il suol”

Amonasro Con todo, el personaje de padre más “antipático” para el público. En él se percibe el interés suyo para convencer a su hija Aida para que consiga que su amado Radamés, el elegido para dirigir las tropas egipcias, desvele secretos de guerra y así poder caer sobre su ejército.

Simón Boccanegra Sin duda, bello encuentro con su hija, fruto de sus amores con María. La escena en el que se conocen es emotiva y fiel reflejo de ambos personajes que van creciendo con el paso de la ópera. La muerte de Simón al final de la ópera trae el recuerdo de una figura buena, donde los conspiradores Paolo y Pietro deben ver cómo el resto acaba lamentando la muerte por envenenamiento del dux genovés.

Monforte. En todo el acto I, sólo él sabe que Arrigo, quien lucha contra los franceses en Sicilia, es hijo suyo. La lectura de una carta de la madre pidiendo que él vele por el hijo, hace que el público ya sepa que, tras el tema político, hay una relación paterno-filial clave en el desarrollo de la trama. Desde el hecho en que le dice a Arrigo que él es su padre, una serie de hechos(como frenar el ataque en la fiesta, desvelar a su amada Elena el cruel destino, etc) hacen que la trama olvide el tema del levantamiento contra los franceses en Sicilia.

Nabucco. Dos hijas, una que se hace judía(Fenena) y otra que lo detiene(Abigaille). Todo lo que el rey asirio necesitaba para levantar su cara y dirigirse al “Dio di Giuda” que, recientemente, pusimos en “Momentos memorables”.

Otros nombres destacados son Miller(padre de Luisa, y que ve como Rodolfo la mata por celos y el posterior arrepentimiento), Felipe II(padre del infante Carlos y que golpea su destino, primero, casándose con Isabel de Valois y, después, condenándolo a muerte ), Arvino(el padre y cruzado lombardo que tiene que escuchar quejas de su hija, enamorada de Oronte). Grandes personajes que han aportado un papel a la ópera: compasión, seguridad, amor…pero también odio, crispación…aunque eso, hoy, no toca.