Voces magistrales: Daniela Dessì

El pasado sábado 20 se anunciaba el triste fallecimiento de Daniela Dessì, la soprano genovesa que se había hecho un nombre y un prestigio entre los aficionados a la ópera. Era admirable como llevaba la relación profesional-afectiva con el tenor Fabio Armiliato. Fruto de ello encontramos gran cantidad de recitales y representaciones en las que ambos fueron protagonistas.

Nacida en Génova en 1957, estudió canto y piano en el Conservatorio “Arrigo Boito” de Parma y se especializó en canto de cámara en Siena. En 1980 debutó en la ópera con “La serva padrona”, de Pergolesi. Finalista en un concurso de nuevas voces llevado a cabo por la RAI, su camino despegó desde ese momento.

Desde comienzos de los años 80 hasta la actualidad fue creciendo su nivel de trabajo, reclamada en los mejores teatros y por los directores de más prestigio destacando, por encima de todos, su trabajo con Riccardo Muti en la Scala de Milán.Pero fueron bastantes las representaciones de gran mérito(por ejemplo, representar en una noche los tres papeles de soprano de Il trittico), sus notables presencias sobre el escenario. Su muerte nos deja esa duda sobre cuál hubiera sido el devenir musical e interpretativo de Daniela Dessì, de la que se ha valorado su capacidad de “actriz” sin dejar de tener en cuenta su voz y su fuerte personalidad.

Su repertorio fue extenso, cerca de setenta personajes aunque pudo interpretar esos grandes roles famosos(Verdi, Puccini, Donizetti, Rossini, Bellini, los personajes de las tres óperas de Mozart con colaboración con Da Ponte). La discografía nos deja un buen repertorio de grandes interpretaciones, en buena parte con la colaboración de su marido desde 2000, Fabio Armiliato. Igualmente, se cuenta con la posibilidad de recordar sus intervenciones a través de las múltiples versiones en diferentes formatos audiovisuales.

Dejamos esta entrada con dos clásicos para que la gente pueda saber algo más de esta gran soprano. Por un lado, vemos su página oficial que permite saber más cosas como su biografía, discografía y la muy recomendable sección de vídeo y audio; por otro lado, una entrevista que se le realizó muy en plan “skype“(al menos, esa es la impresión por esa cámara fija).Por último, dejamos el que fue su gran papel, el que siempre le gustó cantar: Tosca.

Sobre la ópera: el amor y la pureza de sentimiento

Puede que en el mundo de la ópera haya personajes a los que vaya a la perfección este término de “pureza de sentimiento” pero, para mí, hay uno que está por encima de todos: Nemorino.

Nemorino es el protagonista principal de la ópera de Gaetano Donizetti “L’elisir d’amore“. La literatura que ha rodeado al personaje lo ha catalogado como un joven más o menos “al que le falta un hervor”, es decir algo corto de luces. Sin embargo, el desarrollo de la ópera nos muestra un joven enamoradizo que tiene un amor platónico pero, para su desgracia, en nada correspondido: Adina.

Su simpleza se percibe en el primer acto cuando, tras la enésima negativa de Adina, recurre al charlatán doctor Dulcamara, quien le hace ver que esa botella de vino de Burdeos que tiene en la mano es un elixir de amor. Sí que es cierto que se llega a creer eso y Adina juega con ello para sacarle de quicio.

Sin embargo, en el segundo acto ya vemos, en su desesperación,que el amor que tiene por Adina le llevaría a entrar en el batallón de Belcore por tal de conseguir unos dineros para comprar otra botella de elixir. Ahí tenemos ese “tu non sai qual cor sta sotto a quest’umile vestito”, en el que empezamos a ver que su amor poco correspondido tiene mucho más de puro de lo que se pensaba. Ignorante a lo que sucedía, el fallecimiento de su tío y la consiguiente herencia que recibirá, hace que todas las chicas del pueblo lo deseen pero Nemorino cree que es el efecto del elixir. Ve que Adina empieza a sentir amor por él. Es la bellísima “Una furtiva lagrima”.

Ella pretende liberarlo de su condición de soldado pero, cuando él le pregunta si tiene algo más que decir y ella niega, estalla: prefiere morir soldado si no es querido. Al final, ella lo admite: sí está enamorada de Nemorino

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Aunque luego todo se sabe, que Dulcamara le informa que es rico heredero, el amor está ahí, fuera de toda historia de elixires y dinero. El joven Nemorino logra sacar a Adina su sentimiento hacia él.

Momentos memorables: Credeasi misera

Posiblemente, y con motivo, sea la escena de “I puritani” que más esperen los aficionados a la ópera cuando se representa esta ópera de Vicenzo Bellini. A la belleza de una representación- si no se desvía mucho de la lógica teatral- en la que todos los personajes desplegan sus mayores dotes interpretativos, se añade la complejidad de uno de esos momentos en el que el tenor se juega el prestigio, pasar a la historia por la capacidad de emitir un Fa5(recordemos que el famoso “do de pecho”, cuya técnica aportó Gilbert Duprez en 1835, sólo era tres notas menos agudo). Algunos tenores han forzado hasta el punto de quedar un poco desdibujado este momento(falsete), otros han asumido que si no se llega, no pasa nada.

Condenado a muerte por los puritanos, Arturo Talbo se encara contra ellos pidiendo piedad por Elvira y les insta a frenar la ira un sólo instante. Ella, que lo ama, muestra su deseo de morir con él.Este es el momento cumbre(“ella è tremante, ella è spirante”), ese citado Fa5(o high F) de Arturo Talbo. Al final, un mensaje anuncia la victoria de los puritanos y la liberación de todos los presos(entre ellos, Arturo), con lo que “I puritani” pase a acabar de forma feliz para ambos protagonistas. Aunque una cosa debo escribir. No sólo es este Fa5 uno de los motivos de la belleza de esta escena. La interpretación del tenor debe ser convincente pero también los personajes de Elvira, Riccardo y Giorgio son imprescindibles por como muestran su sentimiento de dolor(Elvira y Giorgio) y arrepentimiento(Riccardo).

Escena: Credeasi misera

A quattro

ELVIRA
Qual mai funerea
voce funesta
mi scuote e desta
dal mio martir!
Se fui sì barbara,
nel trarlo a morte,
m’avrà consorte
nel suo morir!

ARTURO
Credeasi, misera,
da me tradita,
traea sua vita
in tal martir!
Or sfido i fulmini,
disprezzo il fato, se teco al lato
potrò morir!

RICCARDO
Quel suon funereo
ch’apre una tomba,
nel sen mi piomba,
m’agghiaccia il cor.
La sorte orribile
spense già l’ira,
mi affanna e ispira
pietà e dolor.

GIORGIO
Quel suon funereo
feral rimbomba,
nel sen mi piomba,
m’agghiaccia il cor.
Sol posso, ah’ misero!
Tremare e fremere.
Non ha più lacrime
il mio dolor.

CORO DI PURITANI
Quel suon funereo
ch’apre una tomba,
cupo rimbomba
mi piomba al cor.
E Dio terribile,
in sua vendetta
gli empi saetta
sterminator.

CORO DI DONNE
Quel suon funereo
feral rimbomba,
al cor ci piomba,
gelar ci fa!
Pur fra le lacrime
speme ci affida,
che Dio ci arrida
di sua pietà!

CORO
Che s’aspetta? Alla vendetta!
Dio comanda ai figli suoi
che giustizia alfin si renda.

RICCARDO, GIORGIO E DONNE
Sol ferocia or parla in voi!
La pietade Iddio v’apprenda!

ARTURO
Deh! Ritorna ai sensi tuoi!

ELVIRA
Qual mi cade orribil benda!

ARTURO
Oh mia Elvira!…

ELVIRA
E vivi ancor!

ARTURO
Teco io sono!…

ELVIRA
Ah! Il tuo perdono!
Per me a morte, o Arturo mio…!

ARTURO
Di tua sorte il reo son io.

ELVIRA
Un amplesso.

BRUNO, UOMINI
Avvampo e fremo!

ARTURO, ELVIRA
Un addio!

UOMINI
Cada alfin l’ultrice spada
sovra il capo al traditor!

ARTURO

Arrestate: vi scostate!
Paventate il mio furor.
Ella è tremante;
ella è spirante;
anime perfide,
sorde a pietà,
un solo istante
l’ire frenate,

Voces magistrales: Dimitri Hvorotovsky

Con el prestigio ganado por el paso de los años, tuvo que frenar, el año pasado, su carrera para ser tratado de un tumor cerebral del que se puede decir afortunadamente que pudo salir bien. Durante tres meses estuvo fuera del mundo lírico hasta que, a finales de septiembre, aparecía en el Metropolitan con la ópera “Il trovatore”.

Nacido en 1962, forma parte de esa generación de cantantes que están en lo mejor de su etapa lírica(Terfel, Alagna, Gheorghiu, Carlos Álvarez,Guleghina, Ramón Vargas…). En ese punto en el que la voz y la veteranía sobre los escenarios se unen. Estudió en su Krasnoyarsk y se hizo un nombre cuando venció en un concurso (Premio estatal Glinka) y en Toulouse, aunque su nombre se hizo internacional cuando ganó a Bryn Terfel el BBC Cardiff “Singer of the World” en 1989.

Su carrera internacional despuntó rápido y con un rol clave como el Eugueni Oneguin de Tchaikovski, aunque su debut en Niza llegó con “La dama de picas”, del mismo compositor.Entre 1990 y 1995(primera intervención en el “Met”) fue apareciendo en cada uno de los grandes teatros(Fenice, Scala, Covent Garden,Berlín, Viena,etc). A lo largo de estos años ha seguido una evolución donde destaca su voz grave, quizás más cercana a la del bajo.

Su repertorio abarca entre otros, dos componentes claros: Verdi y Tchaikovsky. Del compositor de Le Roncole ha cogido algunos de los papeles emblemáticos(Conde de Luna,marqués de Posa, Rigoletto,Renato, Giorgio Germont,Simón Boccanegra…). También Mozart es uno de los compositores que ha llegado interpretar pero la figura de Verdi es importante para explicar el éxito internacional de Hvorotovsky y que, a su vez, le ha permitido ser el “embajador” de la música rusa-aunque ahí habrá que tener en cuenta también a Anna Netrebko- en los grandes teatros de ópera.

Terminamos esta entrada con dos clásicos:uno es la recomendación para que accedan a su página oficial donde podrán disfrutar, entre otras cosas de varios vídeos de recitales y representaciones; la otra idea es mostrarles la faceta de Hvorostovsky con la música rusa popular. Una de las más conocidas es la de “Ojos negros”(??? ??????), aparte de una serie de recitales que realizó, desde 2003 sobre canciones de tipo bélico, bajo el nombre de “¿Dónde estáis, mis hermanos?”.

Momentos memorables: Il balen del suo sorriso

Mientras que Giuseppe Verdi va evolucionando en su forma de entender la ópera hay una estructura que no deja de utilizarla: es el recitativo, aria y cabaletta que en sus óperas primeras mantenía y que, en la trilogía romántica nos dota de algunos episodios conocidos. Así, en “Rigoletto”, el comienzo del acto II con el duque de Mantua; en “La traviata” tenemos el comienzo del segundo acto con Alfredo, feliz con su Violetta; en el mismo acto III de Il trovatore tenemos esa estructura en Manrico y la célebre”Ah sí, ben mio” que acaba en el famoso “Di quella pira”. En esta ocasión, la interpretación algo más oscura(independientemente del timbre de voz del cantante) se debe a un rol que, en verdad, no es agradable. El conde de Luna, archirival del trovador pretende raptar a Leonora, que se había metido en un convento, creyendo la muerte de su amado Manrico. Son sentimientos que, aún creyendo algo en ellos, no terminan de convencer. Es más, la propia cabaletta es más cercana a la forma de ser del propio Conde.

Estamos, eso sí, ante el gran momento musical del barítono que desempeña el rol del Conde de Luna. Una aria en la que debe mostrar, a mi parecer, convicción en el sentimiento.Tras un recitativo con instrumentos de cuerda, el clarinete le va a ir guiando en sus sentimiento en los primeros pasos con un ritmo pausado.Una aria que, en cierto sentido, exige ciertos esfuerzos al cantante para lucirse en determinados momentos mientras que flautas, fagots, oboe y trombas se van uniendo a esa tormenta que tiene el Conde en su corazón. El coro de soldados y Ferrando nos va a llevar a ese malvado Conde que piensa en el rapto y así la cabaletta se desarrolla con un tono, en cierto sentido, “chulesco” por parte de un personaje que no sabe que lo que ocurrirá, poco después, terminará de soliviantarlo más(aparece Manrico para rescatar a Leonora).

ESCENA:aria(Il balen del suo sorriso) y cabaletta(Per me ora fatale)

CONTE
Il balen del suo sorriso
d’una stella vince il raggio!
Il fulgor del suo bel viso
novo infonde in me coraggio!…
Ah! l’amor, l’amore ond’ardo
le favelli in mio favor!
Sperda il sole d’un suo sguardo
la tempesta del mio cor.

(Odesi il rintocco de’ sacri bronzi)

Qual suono!… oh ciel…

FERRANDO
La squilla
vicino il rito annunzia!

CONTE
Ah! pria che giunga
all’altar… si rapisca!…

FERRANDO
Ah bada!

CONTE
Taci!…
Non odo… andate…
di quei faggi
all’ombra Celatevi…

(Ferrando e seguaci si allontanano)

Ah! fra poco mia diverrà…
Tutto m’investe un foco!

(Ansioso, guardingo osserva dalla
parte donde deve giungere Leonora,
mentre Ferrando e i Seguaci dicono
sottovoce:)

FERRANDO, SEGUACI
Ardire!… Andiam… celiamoci
fra l’ombre… nel mister!
Ardire!… Andiam!… silenzio!
Si compia il suo voler.

CONTE
Per me, ora fatale,
i tuoi momenti affretta:
La gioia che m’aspetta
gioia mortal non è!…
Invano un Dio rivale
s’oppone all’amor mio:
Non può nemmeno un Dio,
donna, rapirti a me!

 


Atril de honor: Sir Thomas Beecham

Estamos ante uno de los directores de orquesta que vivieron a caballo entre los siglos XIX y XX. Sir Thomas Beecham nació dentro de una familia de gran prestigio pero no en el terreno musical. Contó con un gran apoyo económico de tipo familiar pero la carrera de director partió por iniciativa y trabajo propio. Con escasos veinte años ya entró en una ensemble con algunos de los músicos de la Liverpool Philarmonic Orchestra. En 1902 ya realizó su debut en el Teatro Shakespeare de Clapham.En esa época intentó también probar en la composición pero sin resultado.En lo personal, hubo problemas con su padre, que lo desheredó pero la crisis apenas llegó a los diez años. Durante dos años(1906-1908), estuvo dirigiendo la New Simphony Orchestra, pero las críticas que se le achacaban apuntaban a unas elecciones musicales poco afortunadas.Un año después, en 1909.se recuperó el tema económico-familiar con su padre; producto de aquello, se creó la “Beecham Symphony Orchestra” con una elección particular de músicos.

A partir de 1910 y hasta 1939 ligó su destino a la Royal Opera House londinense y al His Maesty Theater dentro de una labor más cercana al empresario teatral que al atril.Durante la Primera Guerra Mundial intentó que la música siguiera latiendo en las ciudades inglesas.En 1915 creó la compañía de ópera “Beecham Opera Company” y, al año siguiente, ya tenía el rango de caballero y el de barón tras el fallecimiento de su padre. Otra fecha muy importante, pasado un tiempo, fue 1931 cuando se creó la London Philarmonic Orchestra. En 1936 acudió a Alemania, recibiendo críticas por su nazifilia, cosa que el propio director negó.

Entre 1941 y 1944, en Estados Unidos, se hizo cargo de la dirección principal del Seattle Symphony Orchestra y, al año siguiente, director senior de la orquesta del Metropolitan Opera House, aparte de diferentes actuaciones como director invitado.Regresó a Londres donde estuvo al cargo de la Royal Philarmonic Orchestra. Como anecdótico, en 1958 dirigió un año en la dirección del bonaerense Teatro Colón.El 7 de mayo de 1960 fue el día de su último concierto en Portsmouth Guildhall.

Una de las características en las que destacó Sir Thomas Beecham es la apuesta por la discografía. Ya grababa en 1910 a pesar que los medios de grabación eran aún arcaicos.Desde 1915 grababa para Columbia y RCA durante sus estancia americana. Su repertorio fue bastante amplio, aunque destaca el alemán(desde Händel, Mozart, Bach, Beethoven o Wagner).

Terminamos con un último apunte. La personalidad de Sir Thomas Beecham llegó a ser tan arrebatadora, tan capaz de no dejar indiferente a nadie, que en 1990 se llevó a cabo una película de TV llamada Beecham, con el actor Tim West en el papel del director de orquesta.

Sobre la ópera: la maldad de Yago

Aunque no se va a negar nunca que el único culpable de un asesinato es el asesino, a veces hay que mirar más allá. Este es un caso de libro. Todo el mal está dirigido desde el primer minuto por la mente de un ser rencoroso, Yago, que logra llevar a Otelo, dux de Venecia por los turbios caminos de los celos. Jugó con la personalidad de su jefe hasta llevarlo al desprecio social(acto III, humilla a Desdémona ante los embajadores) y, por supuesto, la muerte de su esposa.

Lo irónico del destino es que todo se hubiera resuelto si no se hubiera dado, según Yago, el motivo principal: la elección de otra persona para el puesto que él, que era simple alférez, ambicionaba.Se lo decía a Roderigo(“Escúchame:por más que yo finja amarlo, odio a ese moro” mientras señala a Cassio de forma enojada, ya que había logrado el favor del dux). Su primera atención apunta al propio Cassio, al que pretende emborrachar y desprestigiarlo ante todos y, especialmente, para que Otello decida quitarle el favor al nuevo capitán.

Desconocía, eso sí, Cassio a quién iba a pedirle algún consejo para recuperar el favor de Otelo: el mismo Yago. Ese nuevo capitán repudiado no era consciente, en ese momento, que la defenestración la había “gestionado” Yago. En el segundo acto tenemos ese “Credo in un Dio crudel” que es como se ve este personaje a sí mismo.

En ese momento, Yago ve en la fingida lealtad hacia Otelo y la confianza de éste en su alférez fiel el mejor modo de llevarlo al empantanoso tema de los celos. Con hechos “maquinados” logra convencer a Otelo que Cassio pretende arrebatarle a Desdémona. Para ello, convence al joven capitán destituido a que pida el favor de volver a su rango a través de la propia Desdémona y, a su vez, haciendo dudar a Otelo de la honorabilidad de Cassio. Logra enturbiar el corazón con dudas plausibles(aunque todos sabemos que son falsas). En el vídeo que vemos a continuación tendremos uno de esos dúos de maldad(“Sì pel ciel marmoreo giuro”)

Para hacer más creíble la escena de la infidelidad y con el juego del pañuelo de Desdémona quitado de las manos de Emilia, Yago logra que Otelo se crea la infidelidad con una prueba clara y evidente, a través de una conversación que el propio alférez tiene con Cassio mientras que Otelo espía. La condena es firme: Desdémona debe morir envenenada pero el propio Yago le recomienda que la estrangule en la cama. Otelo, en su maldad, no es consciente de que es un simple títere de la intención de su alférez tan “leal”.

Una vez asesinada a manos de Otelo, irrumpe Emilia que tiene un doble papel particular: esposa de Yago y sirvienta de Desdémona. Ante todo el mundo logra quitar la máscara interior de Yago mostrando su negra alma hasta el punto de lograr anular al dux y conducirlo, con los celos, hasta el asesinato de su amada Desdémona.


Momentos memorables: Mab, la reine des mensonges

Verona y Shakespeare tienen uno de los puntos en común más famosos de la literatura. Romeo y Julieta es la historia de dos familias rivales en la ciudad italiana, cuya trama ha dado para variadas adaptaciones más allá del drama escrito por el genio inglés. Una de esas adaptaciones “más allá” bien podría ser esa “West Side Story” con los Jets y los Sharks mientras se desarrolla el amor entre Tony y Maria. Pero volvamos a esta versión que compuso Charles Gounod. En este primer acto, en casa de los Capuletos para celebrar el cumpleaños de Julieta, el montesco Romeo ha logrado ver a la joven y se ha sentido enamorado. Aún no sabe quién es en ese momento pero cree tener un sueño. Es en ese momento cuando Mercutio, su más fiel compañero, le gasta una chanza hablando de la reina Mab. Poco esperaban, tanto Roméo como Mercutio, la tormenta que se avecinaba cuando son descubiertos por Tybalt.

En sí, la belleza de esta balada se basa, en muy buena parte, en la destreza del barítono a la hora de frasear todo con bastante agilidad, por cierto, necesaria. No sería justo olvidar o no tener en cuenta el bello juego que realiza Gounod aportando, en cada momento, la música adecuada a cada parte, especialmente cuando le dota de melodía a los diferentes tipos de sueños, destacando el uso de los instrumentos de viento metal y percusión a la hora de los sueños de libertad de los encadenados o de gloria de los soldados pero, también, el arpa cuando el sueño es de amor y besos. Quizás, en toda una “Roméo et Juliette”, puedan encontrar mejores instantes pero, lo que aseguro, es que se les quedará en la cabeza desde el primer momento en que la escucha. Por experiencia.

Aria: Mab, la reine des mensonges

MERCUTIO
Mab, la reine des mensonges,
Préside aux songes.
Plus légère que le vent
Décevant,
À travers l’espace,
À travers la nuit,
Elle passe,
Elle fuit!
Son char, que l’atôme rapide
Entraîne dans l’éther limpide,
Fut fait d’une noisette vide
Par ver de terre, le charron!
Les harnais, subtile dentelle,
Ont été découpés dans l’aile
De quelque verte sauterelle
Par son cocher, le moucheron!
Un os de grillon sert de manche
À son fouet, dont la mèche blanche
Est prise au rayon qui s’épanche
De Phbé rassemblant sa cour.
Chaque nuit, dans cet équipage,
Mab visite, sur son passage,
L’époux qui rêve de veuvage
Et l’amant qui rêve d’amour!
À son approche, la coquette
Rêve d’atours et de toilette,
Le courtisan fait la courbette,
Le poète rime ses vers!
À l’avare en son gîte sombre,
Elle ouvre des trésors sans nombre,
Et la liberté rit dans l’ombre
Au prisonnier chargé de fers.
Le soldat rêve d’embuscades,
De batailles et d’estocades,
Elle lui verse les rasades
Dont ses lauriers sont arrosés.
Et toi qu’un soupir effarouche,
Quand tu reposes sur ta couche,
Ô vierge! elle effleure ta bouche
Et te fait rêver de baisers!
Mab, la reine des mensonges, etc.


Voces magistrales: Agnes Baltsa

Siempre que se puede, quiero dejar un breve comienzo personal sobre un cantante, un fragmento o la historia de una ópera. En este caso, Agnes Baltsa fue la primera “Carmen” que escuché.Aquella versión con José Carreras y José Van Dam, bajo la dirección de Herbert von Karajan.En ese momento, es cuando supe(y bien pronto,porque fue una de las primeras óperas que escuché) que había una mezzosoprano que tenía esa voz tan personal y de presencia notable.

Agnes Baltsa, mezzosoprano griega, nace en 1944 en la isla de Leukas. Con apenas seis años se decantó por el piano pero su camino hacia el canto no tardaría en llegar y fue en 1958, cuando estudió en Atenas, en el conservatorio nacional, donde se graduó con 21 años. Su siguiente paso ya sería Munich, con una beca de la fundación Maria Callas, además de Francfort posteriormente.

Dos directores forman parte de la historia de Agnes Baltsa: Christoph von Dohnanyi, quién la escuchó en el debut en Francfort en el rol de Cherubino en “Las bodas de Fígaro” y, sobre todo, Herbert von Karajan, con el que consiguió ser habitual en el festival de Salzburgo. Fue nombrada en 1980 como “Kammersängerin” en Viena. Su amplio recorrido a lo largo de estos años ha sido producto de una buena gestión de la voz de la cantante, declinando papeles en determinados momentos y asumiéndolos posteriormente.

Aunque tiene un amplio repertorio en el que destacan los roles belcantistas y mozartianos, hay un rol que destaca por encima de todos. Ese es, sin duda, “Carmen”. Un papel en el que se ha encarnado en numerosas ocasiones y que encontró, en José Carreras, el mejor Don José. Tampoco no se debe olvidar sus interpretaciones de Richard Strauss(desde el Octavian de “El caballero de la rosa” hasta Elektra, uno de los últimos papeles interpretados).Tampoco se olvida de la música sacra y la popular griega.


De su discografía y videoteca destaca, como dijimos su rol de Carmen pero no hace olvidar otros tantas grabaciones de ópera como recopilatorios.Aparte de sus roles operísticos, recitales destaco una intervención en el cine. Era una película llamada “Duett“,en 1992, donde ella lleva a cabo el papel de una cantante de ópera. Al igual que Maria Callas con Medea, Baltsa probó en el cine normal.