Atril de honor: Antonio Pappano

Aunque es nacido a finales de 1959 y, por tanto, tiene 57 años, Antonio Pappano tiene dos aspectos que lo hacen llamativamente “joven” en este mundo: mantiene una apariencia juvenil a pesar de los años y, por otro, es considerablemente activo en este tema de las redes sociales(su cuenta Facebook muestra gran actividad, al igual que el canal de Youtube), lo que sumado a sus aportaciones dentro del campo divulgativo, ayudan a forjar una imagen más cercana al público que se pretende convencer sobre las virtudes de la música clásica.

De origen italiano, sin embargo su vida y sus primeros pasos musicales se dieron en Inglaterra y, desde los trece años, en Estados Unidos. Su vocación le había llevado primero al manejo del piano-de hecho es una de sus cualidades que le permitió llamar la atención de un director del renombre de Daniel Barenboim-, además de formarse en la composición y en la dirección orquestal. Con 21 años entró a trabajar en la New York Opera City como pianista acompañante en los ensayos(verán en youtube varios ensayos con grandes figuras del canto y él al piano). Como decíamos, con Barenboim comenzó su estela como director, ya que fue como asistente del director judío en 1986 al festival de Bayreuth. Su debut como tal, en el foso de la orquesta, llegó en 1987 en Oslo. Tres años después, ya estaría dirigiendo en el Royal Opera House Covent Garden.Además, tuvo la dirección de Den Norsk Opera, la Ópera y Ballet Nacional de Noruega.

Entre 1992 y 2002 fue director musical del teatro belga de la Monnaie/De Munt. Volvió a Bayreuth entre 1999 y 2001 como director en las representaciones.Desde 2002 hasta la actualidad es director musical del mítico teatro de ópera londinense(ROH Covent Garden) siendo, en su día, el director más joven en dirigir allí. Desde 2005 también está al mando de la Orquesta de la Accademia de Santa Cecilia, en Roma, amén de haber sido principal director invitado de la Orquesta Filarmónica de Israel(1997-1999). A esta actividad se suma su trabajo divulgativo en BBC, donde hacía un programa sobre las voces en la ópera.Aparte de direcciones musicales, obviamente ha estado dirigiendo en los grandes teatros de ópera del mundo. Su trabajo, especialmente en Italia y Reino Unido le ha servido para recibir grandes honores en sendos países(de hecho, es Sir Antonio Pappano).

Si antes comentábamos su trabajo divulgativo, incluso a través de series de vídeos sobre las óperas, ensayos,etc, no podemos olvidar ese legado que dejará el día que decida poner fin a su vida profesional: grabaciones de las óperas tanto en el formato audiovisual- o solo audio-, aparte de trabajos de música clásica y recopilatorios que ha realido con algunas de las grandes figuras de la ópera como Jonas Kaufmann, Anna Netrebko, Plácido Domingo,Joyce di Donato,etc. Un elenco de obras que, obviamente, irá creciendo en los próximos años.

(https://www.youtube.com/watch?v=lk7y1z3QAXM  Donatella Flick LSO)

Destacamos, por encima de todo, el canal dedicado a Antonio Pappano en Youtube, haciendo principal referencia a sus masterclass, a los ensayos, a las disquisiciones musicales,entrevistas,etc). Recomiendo, a falta de una web oficial-amen de menciones donde trabaja- una entrevista que realizó el año pasado a “Melómano digital” donde se pueden leer algunos de los aspectos más llamativos de su forma de pensar y sentir la música.

Momentos memorables: Maria(West Side Story)

“West Side Story”, la obra que compuso Leonard Bernstein tiene una consistencia argumental y musical que  ha hecho debatir a mucha gente sobre si estamos ante un musical, una opereta o, directamente, una ópera..Además, hay que añadir dos argumentos para el debate: uno es el argumento; otro es la anécdota relacionada con el “Met”. El argumento está relacionado con una adaptación maravillosa del “Romeo y Julieta” de William Shakespeare, llevado al Nueva York de mediados del siglo XX. La obra del escritor inglés ya había tenido versiones líricas con las conocidas “Roméo et Juliette”(Charles Gounod), “I capuleti e i montecchi”(Vincenzo Bellini) e, incluso, de ballet con la música de Prokofiev o sinfónica(H. Berlioz). La célebre historia de amor imposible en un mundo de odio entre bandos, tuvo su episodio en las bandas juveniles neoyorkinas. Respecto a la anécdota, el Lincoln Center-donde está enclavado entre otros el Metropolitan Opera House- fue construido en esa zona donde se desarrolla la película de Natalie Wood y Richard Beymer, en sus roles principales. De hecho, se tuvo que esperar a que terminara el rodaje para demoler algunos de esos edificios para construir el coliseo operístico neoyorquino.

En sí, es un fragmento, aria o, incluso como diría el propio José Carreras al divulgador musical Ramón Gener en el programa catalán “Òpera en texans”, una romanza(11 min-30 segundos). Un inicio parecido a un recitativo en el que juegan el fagot y el violín “poco a poco sin sordina” para crear una atmósfera en el que Tony se va, poco a poco, enamorando de esa joven a la que ha encontrado en el gimnasio donde había sido citado por Riff.Por entonces, no imaginaba a ser un amor tan complicado.Luego, podríamos definir la intervención orquestal a partir de “I’ve just me a girl named Maria” y que tiene la bella particularidad de esa dicotomía entre “dilo alto y suena como la música”(con la orquesta en su esplendor…”Say it loud and there is music playing”) y “dilo de forma suave y casi será como rezar”, cuando sólo son los instrumentos de cuerda los que hagan que el espectador perciba ese sentimiento(say it soft and it is almost like praying). No podemos obviar, el esfuerzo vocal del cantante(en este caso, nos aferramos al rol de tenor) cuando trata de invocar con ese “Maria, Maria” que, como decía el propio Bernstein a Carreras, “debes respirar,debes seguir durante horas”.(texto que he marcado en negrita)

Para terminar, recomendamos el visionado de uno de los vídeos que recuerdan el “making-off” de la versión discográfica con José Carreras, Kiri Te Kanawa o Tatiana Troyanos bajo la dirección del mismísimo Leonard Bernstein sobre la grabación de la propia “Maria”.

Escena: Maria

TONY
(spoken)
Maria . . .
(sings)
The most beautiful sound I ever heard:
Maria, Maria, Maria, Maria . . .
All the beautiful sounds of the world in a single word . .
Maria, Maria, Maria, Maria . . .
Maria!
I’ve just met a girl named Maria,
And suddenly that name
Will never be the same to me.
Maria!
I’ve just kissed a girl named Maria,
And suddenly I’ve found
How wonderful a sound
Can be!
Maria!
Say it loud and there’s music playing,
Say it soft and it’s almost like praying.

Maria,
I’ll never stop saying Maria!

Maria, Maria, Maria

Say it loud and there’s music playing,
Say it soft and it’s almost like praying.

The most beautiful sound I ever heard.
Maria.


Voces magistrales: Sergei Leiferkus

Hay cantantes que te dejan marcado en la primera ocasión que los ves/oyes; luego hay otros en los que tardo en captar su “arte”. En el caso de Sergei Leiferkus, mi primera referencia vino de una interpretación como Yago en Otello. Ojo, fue una buena interpretación pero era una producción en la que, anteriormente, ya había visto a Renato Bruson y me había quedado un poco con esas referencias de actuación del personaje. Hace poco, cuando empecé a ir mirando Eugenio Oneguin(Chaikovsky) para esta web, encontré una versión interesante y que lo tenía como protagonista principal.

Nació en Leningrado, actual San Petersburgo, en 1946. Estudió en el conservatorio de la ciudad y debutó durante sus estudios de canto con una interpretación en una opereta de Kálman llamada “Die Zirkusprincessin”.Ganó un concurso de canto en honor a Glinka en 1971. Al año siguiente se unió al Teatro Maly Musorgsky. Hasta que entró en el Teatro Mariinsky en 1979, fue haciéndose un nombre en su patria.

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El comienzo de su periplo internacional comenzó en las tierras irlandesas de Wexford , donde se suele realizar un festival de ópera.Un año después, fue Berlín. A finales de los ochenta ya era un asiduo del teatro londinense del Covent Garden; poco después del Metropolitan Opera House.Ha sido más un cantante más proclive a los recitales que al trabajo teatral.Junto a esta faceta, hay que destacar su actitud en beneficio de la formación de jóvenes cantantes mediante la enseñanza y la realización de masterclass en varias ciudades como, por ejemplo, Londres.

Su repertorio de barítono está en torno a los cincuenta personajes entre los que destacan los de su patria rusa, especialmente Chaikovsky.Pero tampoco hay que olvidar algunos de sus roles verdianos(Yago, Nabucco,Macbeth,Amonasro, Don Carlo di Vargas) en los que se requiere dotar una gran personalidad a la interpretación. Otros personajes nos llevan a Mozart(Don Giovanni) o Richard Wagner en las óperas Lohengrin, Das Rheingold o Parsifal. Sobre la discografía o audiovisual, destacan varias producciones del Teatro Mariinsky, en su ciudad natal San Petersburgo pero también en el londinense Covent Garden,etc.Aparte, recopilatorios de fragmentos,especialmente de Musorgsky.

Terminamos esta entrada con dos clásicos: ver más información sobre el propio barítono-aunque no consta una web oficial, está su mención en el propio teatro Mariinsky-;también os sugiero la entrevista que he puesto y que cuenta con su servicio de subtitulado.Por último, os indico el acceso al canal Youtube de Leiferkus.

Momentos memorables:Mon cœur s’ouvre à ta voix

Si hay un momento de referencia en el que la seducción llama a la puerta de la ópera, ese es “Mon cœur s’ouvre á ta voix” de la obra de Camille Saint-Säens, “Samson et Dalila”, la célebre historia bíblica de aquél hebreo, líder de su pueblo, que perdía su poder y su fuerza sobrehumana si se quedaba desposeído de su larga cabellera. Sansón, obnubilado por la filistea Dalila, acaba cediendo al deseo hacia ella, entre grandes esfuerzos de mostrarse firme, viéndose traicionado. Sólo ún último sacrificio de su propia vida le permite recuperar la fuerza sobrenatural para lograr derribar las columnas del templo donde está preso y matar a los filisteos que, con el sumo sacerdote de Dagon, estaban ahí para humillarlo. En sí, es una ópera-que asume en su primer acto un aspecto de oratorio- en el que engloba la dualidad entre el amor sensual que refleja Dalila y el deber honorable del personaje de Sansón. Muy a grosso modo, el interés del sumo sacerdote y Dalila por usar el amor para sonsacar un secreto puede recordar una escena de Aida: el interés de Aida-Amonasro por sacar de Radamès información importante respecto a las tropas egipcias, si bien la diferencia está en que la esclava sí estaba enamorada y la filistea actúa por odio y envidia…no exenta de gran capacidad de persuasión en la interpretación de “enamorada”.

Pero, a pesar de ese amor fingido, no vamos a negar en la belleza de esta seducción en el juego de los instrumentos de cuerda llevando el peso de esta escena en el que podemos percibir tres partes: una más emotiva al principio por parte de Dalila, buscando las dulces palabras de amor de Sansón mientras los escasos instrumentos de viento-madera actúan alternando con la voz de la mezzosoprano; luego nos encontramos con una intervención del arpa para crear una atmósfera de “responde a mi ternura, vierte sobre mí tu amor” y que luego se volverá a repetir de nuevo, donde parecen lágrimas fluyendo de sus ojos.Tras el “Dalila, je t’aime” de Sansón, vuelve Dalila a seguir sacando su afecto hacia él. Aquí, es llamativo el uso rítmico de los instrumentos de viento(flauta y clarinetes) para simular el movimiento ondulante de las espigas de trigo y que no había aparecido hasta este momento. Tras este instante volvemos a sentir, una vez más, esa parte que comentábamos antes con el arpa y Dalila reclamando que Sansón le diga que le quiere. Una seducción que podríamos decir…fatal.

Escena: “Mon coeur s’ouvre á ta voix”

DALILA
Mon cœur s’ouvre à ta voix
comme s’ouvre les fleurs
Aux baisers de l’aurore!
Mais, ô mon bien-aimé,
pour mieux sécher mes pleurs,
Que ta voix parle encore!
Dis-moi qu’à Dalila
tu reviens pour jamais!
Redis à ma tendresse
Les serments d’autrefois,
ces serments que j’aimais!
Ah! réponds à ma tendresse!
Verse-moi, verse-moi l’ivresse!

SAMSON
Dalila! Dalila! Je t’aime!

DALILA
Ainsi qu’on voit des blés
les épis onduler
Sous la brise légère,
Ainsi frémit mon cœur,
prêt à se consoler
À ta voix qui m’est chère!
La flèche est moins rapide
à porter le trépas,
Que ne l’est ton amante
à voler dans tes bras!
Ah! réponds à ma tendresse!
Verse-moi l’ivresse!

SAMSON
Par mes baisers
je veux sécher tes larmes
Et de ton cœur éloigner les alarmes.
Dalila! Dalila! Je t’aime!

Atril de honor: Ataúlfo Argenta

Era justo dedicar este espacio a uno de los grandes directores de orquesta que ha tenido España. Además, con la sensación de preguntarse cómo se habría desarrollado la carrera de este cántabro llamado Ataúlfo Argenta si no hubiese ocurrido ese fatal accidente-independientemente de tabús que han salido recientemente tras el libro de Ana Arambarri ” Ataúlfo Argenta.Música interrumpida”- que supuso el fallecimiento a la edad de cuarenta y cuatro años. Con una vida más o menos como la de otros grandes. De hecho, si lo comparamos con Georg Solti-nacido un año antes- podríamos ver en lo que se habría convertido en este mundo de la música clásica.

Nacido en 1913 en Castro Urdiales, su vocación musical llegó bien pronto y le permitió recibir pronto clases en su tierra natal como en Madrid, en el Real Conservatorio de Música. Destacar que sus primeros pasos profesionales llegaron con el piano. De hecho, con apenas diecisiete años ganó un Premio Extraordinario. Tras la muerte de su padre, su vida le llevó a Bélgica, donde siguió con su progresión. Añadió otro campo importante tras volver a Madrid: la dirección orquestal y que le permitió debutar en 1934.En su figura como director de orquesta destaca la figura importante de Juana Pallarés, su mujer.

La guerra civil cortó las alas temporalmente al director, movilizado en Segovia. Incluso en sus propias filas debió de luchar por no sufrir consecuencias. Durante tres años estuvo en Alemania(1940-1943) con su evolución musical, gracias a la intervención del pianista Winfried Wolf, primero convenciéndole de dar el paso, después gestionándole los medios para estar en Alemania. Durante ese periplo perfeccionó sus cualidades ante el piano hasta el punto de lograr un puesto de profesor en Kassel. En esa época vivió dos penalidades importantes: la primera fue el problema de la tuberculosis y también el inicio de los bombardeos en ciudades alemanas en lo que ya era el inicio del fin del III Reich. Haber estado con el ejército “nacional” en la guerra civil, estar en la Alemania durante el “nazismo”-sin implicar ello que estuviera de acuerdo con sus principios- no le salvó, sin embargo, de críticas dentro del estamento cultural español tras su regreso. De hecho, le costó lo suyo recuperar el camino perdido en España. Por desgracia, en España volvió a sentir ese defecto clásico de no valorar a sus artistas.

La Orquesta Nacional de España lo nombró director en 1947 en sustitución de su primer director, Bartolomé Pérez Casas.Además forma la Orquesta de Cámara de Madrid con la ayuda económica de Luis Urquijo en 1950. Por esa época también hace su debut con la Orquesta Sinfónica de Londres(London Symphonic Orchestra). Prácticamente, va creciendo con el paso de los años dirigiendo orquestas pero hay una que será relevante a partir de 1954: La Orquesta de la Suisse Romande. Estuvo dirigiendo hasta poco antes del accidente que le segó la vida en enero de 1958. Su legado discofráfico tiene un alto componente de música clásica española: desde zarzuela, música clásica española…e incluso un disco con música compuesta por compositores extranjeros con temática española.

Terminamos esta entrada no queriendo olvidar la figura de su hijo Fernando Argenta, quien ayudó a popularizar entre el público infantil la música clásica a través de una divulgación especial y que será objeto de una futura entrada en esta página. El propio Fernando Argenta reconoció que sus estudios pudieron ser sufragados mediante una beca de la Orquesta Suisse Romande. También recomendamos el visionado del reportaje que se realizó en 2013, con motivo del centenario del nacimiento del director de orquesta. Igualmente, recomendamos la lectura de su web oficial

Momentos magistrales: Was gleicht wohl auf Erden…

Es quizás la escena más conocida de “El cazador furtivo”(Der Freischütz), de Carl Maria von Weber. El coro de cazadores, prácticamente al final de la ópera, aporta esa ligera pausa al desarrollo final de las andanzas del pobre Max, un cazador enamoradizo pero absolutamente desacertado con un rifle. Aunque unas balas “trucadas” permitieron a Max seguir en la competición, al final debe disparar a una paloma pero acaba disparando a Kaspar, aunque al mismo tiempo cae Agatha durante la confusión. Aunque el joven parece asumir su destino y marcharse exiliado, un ermitaño convence a Ottokar para que perdone a Max y le conceda la mano de Agatha, al menos durante un año…y pedir que desaparezca la competición de tiro.

Siguiendo unos patrones muy en consonancia con el acto de la caza, este coro es el mayor ejemplo del uso amplio y variado de los instrumentos de viento-metal que se conoce. Con el juego de trombas, trombones logra crear una atmósfera que nos pone, directamente, en el ambiente de un concurso de caza.Aunque el coro de tenores y bajos bien vale la pena, sin duda lo que llega a nuestro interior es esa amalgama de sensaciones que se generan desde esa parte de la orquesta, como si cada uno de los asistentes a la representación fuese llamado a coger un rifle y competir.

Coro: Was gleicht wohl auf Erden dem Jägervergnügen

JÄGERNCHOR
Was gleicht wohl auf Erden dem Jägervergnügen?
Wem sprudelt der Becher des Lebens so reich?
Beim Klange der Hörner im Grünen zu liegen,
den Hirsch zu verfolgen durch Dickicht und Teich,
ist fürstliche Freude, ist männlich Verlangen,
Erstarket die Glieder und würzet das Mahl.
Wenn Wälder und Felsen uns hallend umfangen,
Tönt freier und freud’ger der volle Pokal!
Jo, ho! Tralalalala!

Diana ist kundig, die Nacht zu erhellen,
wie labend am Tage ihr Dunkel uns kühlt.
Den blutigen Wolf und den Eber zu fällen,
der gierig die grünenden Saaten durchwühlt,
ist fürstliche Freude, ist männlich Verlangen,
Erstarket die Glieder und würzet das Mahl.
Wenn Wälder und Felsen uns hallend umfangen,
Tönt freier und freud’ger der volle Pokal!
Jo, ho! Tralalalala!

Sobre la ópera: Cinco años de Operamanía

Hace cinco años nacía Operamania.es, pero no era la primera vez que esta “marca” aparecía en internet. Unos años antes, hubo una versión con el .com en el que, tanto mi hermano como yo, ya hacíamos nuestros particulares pasos por esta zona del mundo de la ópera, como es la explicación sobre aspectos que podían ser más interesantes. Esa página estuvo “viva” a comienzos de la década pasada y dejó de ser actualizada allá por 2007, casi justamente con el fallecimiento de Luciano Pavarotti. En abril de 2012 volvía Operamania a Internet con otra imagen, sin perder algunos de los escritos de antaño entre los que destacaba, por la parte que me toca, las sinopsis de algunas óperas y que, con el tiempo, pensaré en “resucitar” con nuevas obras. En esta ocasión el “renacimiento” venía acompañado de las redes sociales Twitter(@Operamania1) y Facebook.La primera entrada, del 4 de abril de 2012, fue el vídeo de la película de La Traviata, con Plácido Domingo y Teresa Stratas.

Desde entonces, más de 300 entradas, artículos sobre diferentes aspectos. Alguno fue cayendo sobre la marcha(tema encuestas) pero otros fueron apareciendo sobre la marcha. De hecho, el primer artículo mío, personal, fue una sinopsis de “La cenerentola”, de G. Rossini y el siguiente fue “Ópera e Historia, con la vida de André Chénier y que fue de esos textos de los que me siento satisfecho. Los primeros artículos alternaron en dos secciones que han sido mis favoritas: “Momentos memorables” y “Voces magistrales“.En el primer caso, porque he notado una mejora con respecto a los primeros escritos(lo que no era difícil) y que tuvo su punto de inflexión con la entrada que dediqué a “In quelle trine morbide“, donde ya tuve en mente mirar las partituras y captar de éstas algunos matices interesantes de valorar. En el segundo caso, era un homenaje a tantos cantantes que han hecho grande a la ópera y por donde han ido desfilando tantos cantantes desde Luciano Pavarotti,Enrico Caruso, nuestros cantantes más archiconocidos hasta llegar, la semana pasada a Magda Olivero. Obviamente, es una sección que aún seguirá mirando al pasado y al presente.

Un tiempo después, el fallecimiento de Claudio Abbado dio lugar a la creación de la sección “Atril de honor”, que también rinde honor al director de orquesta, el que consigue que ésta suene estupendamente y bajo su interpretación de la partitura. En esa sección hemos podido saber cosas de grandes como Toscanini, Levine, Barenboim, Bernstein,etc. En esta sección he pretendido, dentro de las posibilidades que daba el tema de multimedia, aportar la imagen de los directores en un ensayo, para que la gente pueda observar que el gran trabajo del director de orquesta se produce en los ensayos y que, como se dice, no es una persona que se limita a mover los brazos con una batuta. No. Su trabajo es fundamental antes, dar las indicaciones precisas,etc.

Las dos últimas secciones nos aportan una especie de “desencorsamiento” de la web. Por ejemplo, “Personajes” permitía observar una determinaada ópera desde la perspectiva de un personaje, su actitud dentro de la historia que se refleja en la ópera.En el “Sobre la ópera”, hemos buscado diferentes temas que, sin implicar el tema de la ópera de forma directa, sí tienen cierta vinculación. Así, a bote pronto, recuerdo el que se llevó a cabo indicando los tipos de formatos de grabación, sobre Florence Foster Jenkins con ocasión de la película protagonizada por Meryl Streep, sobre los teatros que renacieron de las cenizas,etc.

El gran valor de esta página, de estos cinco años es que he podido “crecer” y eso se ha manifestado en un interés más allá de las óperas más populares y que todo el mundo conoce. De no haber existido esta página, por ejemplo, no sé si habría entrado de pleno en el repertorio ruso,estar escuchando óperas conocidas dentro de este mundo pero que no han pasado a ese mundo más “popular”, todo ello para ir sacando aspectos llamativos para poder plasmarlos aquí. Sólo me queda decir que aún queda mucho por escribir pero muchas gracias por estar aquí.

Voces magistrales: Magda Olivero

Quizás la sensación que mejor define esta entrada es el de perdón por haber tardado tanto en dar una entrada a una soprano que destacó por su extraordinaria longevidad, no sólo vital(104 años), también profesional aunque en menor grado(aunque se retiró con 71 años, siguió interviniendo en conciertos).

Nacida en 1910, su afición y su vocación la llevaron al mundo lírico, acompañado por unas dotes de memoria considerables.Estudió para piano,armonía y composición pero el canto no quedó descartado a pesar de unas pequeñas menciones a su voz. Aquí es importante la presencia de Luigi Gerussi, su primer maestro. Debuta a los 22 años en Radio Turin con un oratorio de Cattozzo y, al año siguiente, es Lauretta(Gianni Schicchi) en el Teatro Vittorio Emmanuele. Su periplo se interrumpe en 1941 tras casarse con Aldo Busch, a la edad de 31 años.

Si hay otra persona importante en la vida de Magda Olivero, ese es, sin duda, Francesco Cilea. El compositor, prácticamente en su lecho de muerte, acabó convenciendo a la soprano piamontesa para que interpretase a Adriana Lecouvreur. El rol de la actriz francesa acabó siendo uno de los grandes referentes de Magda Olivero en su segunda etapa que duró tres décadas(1951-1981), en cierto sentido alejada del barullo que había en esa época entre Maria Callas, Renata Tebaldi.La cantante que, apenas reconoció su consideración de “diva”, fue por otro camino en el que fue igualmente ensalzada. Un aspecto llamativo es que su debut en todo un “Met” llegó en 1975-a la edad de 65 años- con Tosca(G.Puccini), ocho años después de su debut con Medea en Dallas. Su retiro llegó en 1981, donde tuvo que ver también el fallecimiento de su marido. Su última representación fue en Verona con la obra de Poulenc “La voix humaine”.

Su repertorio la llevó, especialmente, a interpretar mayoritariamente óperas de tipo verista(Giordano, Cilea, Mascagni,Zandonai,etc), destacando a Puccini, del que asumió los principales roles protagonistas salvo Turandot, cuya rol fue Liù.Curiosamente, de Verdi apenas acogió muy pocos roles. Aparte de su aportación operística, mencionaría su gran fe religiosa que, amen de mostrar una cantante alejada del divismo, mostró una actitud de fe y lealtad a la iglesia de Solda, en Bolzano, donde cantaba regularmente el día 15 de agosto desde mediados de la década de los 60 hasta el mismísimo 2008. También ha actuado en otros sitios dando muestra de su capacidad vocal a pesar de los años que tenía. Su última aparición, no nos olvidemos fue en 2010, en su centenario, para cantar una aria de “Francesca de Rimini”, de Zandonai.


Respecto a sus apariciones en estudios de grabación y representaciones en vivo, no se puede catalogar a Magda Olivero como asidua, precisamente pero ello no ha supuesto que dejase aparte esta posibilidad de dejar su legado de voz. Dejamos una interpretación con 103 años y una entrevista realizada tres año antes de morir.

Momentos memorables: E ancor silenzio

Sea Pagano o el ermitaño, este personaje del verdiano “I lombardi alla prima crociata” evoluciona desde la maldad del primer acto en contraposición al héroe, a su hermano Arvino que había sido nombrado jefe de los cruzados lombardos hasta el perdón final, cuando herido de muerte, el ermitaño confiesa a Arvino que él es Pagano, el desterrado hermano por parricida.Entre medias, queda el célebre terceto con Giselda y Oronte, herido de muerte y dispuesto a ser bautizado como cristiano. Desterrado de Milán, despreciado por su familia, Pagano está en una cueva de Antioquía esperando la llegada de los lombardos para unirse a ellos.Esperaba el ermitaño Pagano que el hecho de unirse a los cruzados le permitiese redimir sus pecados.

Es una aria que poco a poco va cogiendo fuerza. Con un recitativo en el que el ermitaño está acompañado con los instrumentos de cuerda.Con el ¿E chi son io…?son los instrumentos de viento madera(con especial importancia de la flauta que va creando la atmósfera que va a ir in crescendo), que se potencia durante un breve lapso por la intervención de trombones y címbalos(e giusto Iddio soltanto..il pianto).Pero el verdadero momento en el que la aria coge esa fuerza que tiene es, a partir del “Dirà che Dio lo vuole” en el que ya toda la orquesta marca que el personaje ha alcanzado el estado de elevación cuasi místico-bélica.A partir de “Quando la croce splendere” ya se percibe un Pagano/ermitaño que está muy seguro de su deseo de ver redimidas sus penas ayudando a recuperar Jerusalén con los cruzados cristianos. Verdi pretendió en esa redención de Pagano un modo de reducir la tensión, volviendo a darle el protagonismo melódico a los instrumentos de viento-madera(añadiendo el piccolo)a partir de “Di nuovo allor” y que acaba muriendo con ese “in ciel sarà”.La simple aparición de Pirro vuelve a cargar de intensidad el escenario.

 

Aria:E ancor silenzio

EREMITA(Pagano)
E ancor silenzio!
Oh quando, quando al fragor dell’aure e del torrente
Suono di guerra s’unirà?…
Quest’occhi, sempre immersi
Nel pianto, oh non vedranno
Balenare dai culmini del monte
I crociati vessilli?
Dunque il lezzo a purgar del gran misfatto
Mai non potran mie mani
L’empie bende squarciar dei Mussulmani?
E ancor silenzio! – Oh folle!
E chi son io perché m’arrida all’alma
Iri di pace? E giusto Iddio soltanto:
Sia per lui benedetto il duolo e il pianto:
Ma quando un suon terribile
Dirà che Dio lo vuole,
Quando la croce splendere
Vedrò qual nuovo sole,
Di giovanil furore
Tutto arderammi il core,
E la mia destra gelida
L’acciaro impugnerà:
Di nuovo allor quest’anima
Redenta in ciel sarà.
Ma chi viene a questa volta?
Mussulman la veste il dice.
Ritiriamoci..


Atril de honor: Jesús López Cobos

Desde que dedique un artículo de esta sección a Rafael Frühbeck de Burgos no había escrito nada sobre otros directores de orquesta españoles.Hace tiempo que tenía en mente hacer uno dedicado a Jesús López Cobos, unos de esos directores que han tenido que hacerse un nombre fuera de España para que también fuera conocido aquí, más cuando el apellido Cobos iba a acompañado también a otro director que, siendo bueno, se había dedicado a una promoción de la música clásica por otra vía.

De vocación tardía para la dirección de orquestas, el director confiesa que su primera escuela fue el seminario donde estudió siete años, donde vivió de primera mano la fascinación por la música gregoriana y polifonía.Estudió filosofía y letras en la Universidad Complutense(tras empezar en Granada). Ya allí empezó a estar en el coro donde acabó asumiendo roles de dirección hasta entrar en el conservatorio durante dos años. En su recorrido formativo hay dos personas como Franco Ferrara en Milán y Swarowsky en Viena hasta titularse en 1966.Su debut llegó en 1969 en el Teatro de la Fenice con “La flauta mágica”.Durante esa época recibió el premio Besançon de jóvenes directores de orquesta en 1968.

Su periplo ha tenido dos roles: ha sido elegido como director invitado para varias orquestas a lo largo del mundo pero, también, ha ejercido sus funciones como director musical de varias orquestas durante periplos largos e, incluso, compaginarlos. Así, entre 1981 y 1990 fue director general de la Música de la Ópera de Berlín, entre 1986 y 2001 en la Orquesta Sinfónica de Cincinnati, sin olvidar la Orquesta de Cámara de Laussane o la consideración de principal director invitado(1981-1986) de la London Philarmonic Orchestra. También en España tuvo reconocimiento con la Orquesta Nacional de España entre 1984 y 1989 o la dirección musical durante siete años(2003-2010) del Teatro Real, junto a la dirección de la Orquesta Sinfónica de Madrid.


Así pues, durante más de cuatro décadas, ha estado en los podios de la mayoría de teatros, ha dirigido varias orquestas y ha dejado un buen repertorio de grabaciones de óperas así como algunos recopilatorios de interés empezando por una grabación de la obra de Falla, “El sombrero de tres picos” en 1987. Recibió varios premios honoríficos entre los que destaca el “Príncipe de Asturias” en 1981, Medalla de Bellas Artes en 2001 pero, sobre todo para él, director emérito de la Cincinnati Symphonic Orchestra.

Terminamos esta entrada con los dos clásicos. Por un lado, recomendarles el acceso a su página web oficial donde podrán profundizar más en la figura de este director; por otro lado, invito a que vean una conferencia que dio hace dos años y que contiene mucho de su carrera músical pero también personal con una serie de anécdotas que, tomadas de primera mano del propio director, forman parte de su historia.