Momentos memorables: Giorno di pianto

Aunque Giuseppe Verdi ya había cogido una fama merecida, siguió buscando entre las pasiones humanas para dotarlas de música. También exploró en diferentes actitudes humanas, entre las que destaca la relación del padre con el hijo como hemos comentado varias veces con ocasión de las óperas de Verdi y su propia situación personal. En “I vespri siciliani” la situación es complicada porque, entre el padre y el hijo no hay situación de afinidad desde el principio pero, desde el momento en que Arrigo sabe que el gobernador de la isla, el malvado Monforte, es su padre cambia alguna de sus actitudes hacia él, destacando el hecho de desvelarle la trama que debía acabar en magnicidio en la fiesta(acto III), sólo por el hecho de proteger al padre, a pesar de la tirantez que hay en los sicilianos, dirigidos por Procida. Situación que veremos igualmente al final de la ópera. Para más inri, este hecho de la revelación lleva a Elena, su enamorada, a la prisión, camino del patíbulo, pues ella ha sido una de las personas que habían intentado matar a Monforte. Maldecido por los suyos por haber impedido el magnidio, agobiado por un lazo cruel como es su parentesco con el odiado gobernador. En este momento, es cuando Arrigo se siente compungido por el dolor de un desprecio cuando era el amor lo que debía haber entre él y Elena.

Tiene dos partes estructuradas y perceptibles. En una más lírica, que viene de un recitado(È di Monforte il cenno”), donde Arrigo muestra su dolor y pesar por la felicidad del pasado, turbada por un presente en el que el amor se ha transformado en repudio mientras que los instrumentos de viento madera van dejando, nota a nota,la influencia del apagado estado de ánimo del personaje; en la segunda parte, más movida, donde se espera la pronta llegada de Elena ante él, donde el remordimiento le lacera hasta el punto de desear la muerte(“la morte è men crudel del tuo sprezzo”) y que, siendo sinceros, es el que hace recomendable para disfrutar de esta aria.

Aria: Giorno di pianto

ARRIGO

Giorno di pianto,
di fier dolore!
Mentre l’amore sorrise a me,
il ciel dirada
quel sogno aurato,
il cor piagato
tutto perdè!
De’ loro sdegni crudo
il pensiero
fa in me più fiero
l’atro dolor!
Il tuo disprezzo, Elena mia,
è cruda,
è ria pena al mio cor!

(Odi attentamente)

Chi vien? Io tremo!
Appena, ahimè, respiro!
È dessa!
A maledirmi ella s’appresta!
A maledirmi! A maledirmi!
Ah, di terror io tremo!
Tutto ahi,
tutto or m’abbandona!
Grazia, deh, grazia, perdono,
pietade, mio bene, perdono!
Tutto or m’abbandona, ecc.
La morte è men crudel,
è men crudel
del tuo sprezzo!

Atril de honor: Otto Klemperer

Si hay un país que ha dejado un amplio conjunto de artistas a todos los niveles, ese es Alemania. También, por desgracia, el que también ha sufrido por su historia. En el caso de Otto Klemperer, su peor recuerdo tuvo que ser su marcha de su país tras la llegada del partido Nacionalsocialista Obrero al poder(NSDAP) con Adolf Hitler. La acusación por la que fue perseguido Otto Klemperer y su familia era su origen judío. Como habrán leído en otras entradas de esta sección, muchos directores alemanes sufrieron esta situación, otros que tuvieron su favor debieron de pasar por un proceso de “desnazificación”. Desde 1933 emigraron hacia Estados Unidos.

Nacido en 1885, estudió dirección y composición en el Conservatorio de Dr.Hoch en Frankfurt, además de piano.También estudió en el Conservatorio Stern en Berlín. Un año importante para su carrera fue 1905 y el encuentro con Gustav Mahler. La amistad entre ambos le permitió a Klemperer su entrada por la puerta grande,vía recomendación del compositor, en la German Opera en Praga en 1907.

Su carrera fue creciendo en teatros de Alemania: Hamburgo(1910-1912), Barmen(1912-1913), Estrasburgo(1914-1917 en un momento en que esta ciudad sí pertenecía al país teutón y que, tras terminar la I guerra mundial volvió a Francia) , Colonia(1917-1924),Wiesbaden(1924-1927) y Berlín(1927-1931). Desde Estrasburgo comenzaba a llevar adelante temas más importantes que la dirección de orquesta. Así, en Wiesbaden fue director musical del teatro de ópera de la ciudad o dirigió el Kroll Opera en la capital alemana. Fue una época en la que acogió la música nueva que se iba componiendo (Janá?ek,Schönberg o Stravinsky,etc.

Con la llegada al poder del partido de Hitler, se exilió a los Estados Unidos,ya perjudicado por la actuación de los nazis contra su persona y sus bienes. En Estados Unidos, donde se exilió, obtuvo la dirección de la Filarmónica de Los Ángeles entre 1933 y 1939, donde vivió la cara(los éxitos de sus programaciones de música alemana) y la cruz(se le diagnosticó en 1939 un tumor cerebral que le dejó como secuela la paralización de su lado izquierdo. Durante esa época previa se habían dado episodios que le complicaron su carrera musical.

Volvió a Europa tras la II Guerra Mundial.Entre 1947 y 1950 trabajó con la Budapest Opera. También actuó como director invitado con varias orquestas Tras unos problemas con su pasaporte de Estados Unidos, se convirtió en ciudadano alemán.A su vez, también tenía problemas de salud que le llevaron a dirigir sentado en una silla. En 1954 firmó con EMI para dirigir gracias a la Philarmonia de Londres, fundada por Walter Legge.Desde 1959 hasta 1973 fue el principal director de esta orquesta. De sus últimos años destaca su presencia en Israel dos años después de la Guerra de los Seis días, donde llevó adelante la dirección como invitado de la Israeli Broadcasting Authority Symphonic Orchestra. Allí, recibió un pasaporte de Israel. Se retiró en 1971.

Dejó, gracias a su firma con EMI, un buen legado discográfico en el que se destacan los compositores alemanes. Otra faceta menor fue su labor de composición, pero que no tuvo mucho éxito, a pesar de que otras personas han intentado sacar a la luz sus composiciones. Terminamos con un breve vídeo en el que podemos sentirlo.

Sobre la ópera: La pasión musical de un grande

Ópera, zarzuela, dirección de orquestas, dirección de teatros, masterclass, concursos operísticos, canciones populares de alrededor del mundo, canciones religiosas,etc. Creo que hay pocos caminos de la música que no haya abarcado Plácido Domingo. Recientemente se ha celebrado los 75 años desde su nacimiento en Madrid. Si en 2011,celebró los 70 años en el Teatro Real, cinco años después en el Palau de les Arts Reina Sofía, en Valencia tras dirigir “Sanson et Dalila”.

En sí, toda una carrera extensa desde aquel 1959 cuando debutó como barítono en México. Ha abarcado un repertorio considerable, dejando su marca personal tanto sobre el escenario como en el estudio de grabación. Más de centenar y medio de papeles han sido llevados a cabo, también influenciados por el regreso de Plácido Domingo a los papeles de barítono en 2009.Aunque aún sigue cantando, está dejando un auténtico legado audiovisual para próximas generaciones, posiblemente, uno de los mayores que se pueden encontrar en un cantante lírico

Como cantante de amplio prestigio internacional, eso ha permitido que sus pasos por la zarzuela le haya servido al “género chico” un reconocimiento en la misma línea, la ha sacado de España para que fuera programada e interpretada fuera de las fronteras españolas(y también hispanoamericanas), la ha introducido en eventos de relevancia mundial como fueron aquellas galas de “Los tres tenores”, lo que ha permitido que el mundo no hispano conozca los sufrimientos de Vidal Hernando(Luisa Fernanda), Leandro(La tabernera del puerto) o Rafael(La dolorosa),etc. Además, la propia canción popular ha sido otro de los campos donde ha entrado en liza.

Otra faceta de Plácido Domingo ha sido la dirección de orquesta, un camino que era el que, personalmente, me esperaba cuando dejara los escenarios como tenor. Unido a esta presencia ante el atril, está también la dirección musical del Washington National Opera (entre 1996 y 2011) y dirección general en Los Ángeles Opera. Promover a los jóvenes también ha sido algo importante y, por ello, Operalia lleva más de dos décadas en funcionamiento en el mundo de la ópera, convirtiéndose en uno de los grandes referentes para los nuevos cantantes para lograr relevancia internacional.

Terminamos este artículo con un vídeo interesante, emitido en Canal Sur en 1989 donde explica su pasión por el canto, su admiración por su esposa. Como hay más vídeos de esta entrevista, le sugerimos esta búsqueda para poder visionar más sobre diferentes aspectos de su vida.Otra entrevista interesante fue la realizada en 2011, con ocasión de los 70 años del tenor madrileño.

Momentos memorables: Suoni la tromba

El ritmo marcial nos deja aquí uno de los episodios más interesantes y espectaculares. El “Suoni la tromba” que compuso Vicenzo Bellini para terminar el segundo acto de “I puritani” es emblemático por su musicalidad, por su intensidad y, por qué, no por una conversación entre el despechado Riccardo y Giorgio en referencia a Elvira. Giorgio convenció al padre de ella para que se pudiera casar con Arturo Talbo, enemigo de la causa puritana. Riccardo, ofendido, no ha perdonado el acto que le dejó sin esposa. Giorgio le convence que, por el bien de Elvira debe salvar a Arturo de la muerte. Riccardo, más emocionado que convencido, acepta no matar a Arturo…siempre y cuando no aparezca en la batalla. “Suoni la tromba”, en sí, es un canto de honor y libertad. La escena previa, en sí, la pueden disfrutar aquí
.
Estructurado a dos voces, donde Giorgio empieza a cantarlo tras unas primeras notas en las que, era lógico, el instrumento clave es la trompa, donde Riccardo interpreta su parte y, ambos, al final, se van alternando hasta llegar a un final conjunto. Esta stretta(fragmento al final de un acto a un tiempo más rápido), con todo, tiene su sentido. Una estructura pareja donde hablábamos de la trompa que da cierto aire, como decíamos, marcial al principio; después una parte más lírica dentro del ambiente guerrero(“Amor di patria impavido”) y una última que va a marcar el final con ese “bello è affrontar la morte” donde la flauta(especialmente, entre el resto de instrumentos, va a acompañar al personaje que interpreta(primero, Giorgio, después Riccardo). Finalmente, la interpretación en conjunto de ambos personajes-aparte de seguir las pautas indicadas- que, sin duda, logra crear un efecto intenso y marcado en quien escucha por primera vez este final del segundo acto de I puritani.

Escena: Suoni la tromba

Giorgio, después Riccardo
Suoni la tromba, e intrepido
lo pugnerò da forte;
bello è affrontar la morte
gridando: libertà!
Amor di patria impavido
mieta i sanguigni allori,
poi terga i bei sudori
e i pianti la pietà.
bello è affrontar la morte
gridando: libertà!

Riccardo
Suoni la tromba, e intrepido
lo pugnerò da forte da forte.
Forse dell’alba al sorgere
L’oste ci assalirà.
S’ei vi sarà…

Giorgio
All’alba…morrà

Riccardo
Sia voce di terror.
Patria, vittoria, onor!

Ambos
Suoni la tromba, e intrepido
lo pugnerò da forte;
bello è affrontar la morte
gridando: libertà!
Amor di patria impavido
mieta i sanguigni allori,
poi terga i bei sudori
e i pianti la pietà.
bello è affrontar la morte
gridando: libertà!

Voces magistrales:Fritz Wunderlich

Un accidente, un absurdo tropezón con los cordones de sus zapatos, impidió a los aficionados a la ópera observar la evolución de este cantante alemán, que falleció cuando le quedaban pocos días para cumplir 36 años. De no haber ocurrido tal hecho, lo más normal habría sido que hubiera dejado de cantar con el nuevo siglo. O sea, más de tres décadas sin su voz.Un gran referente.

Nacido en 1930 en Kusel dentro de un entorno familiar donde se vivía la música(un padre que es director de orquesta y una madre violinista).Con todo, a los cinco años se quedó sin padre al suicidarse éste tras perder su puesto e director de orquesta dentro de los primeros años del nazismo. Le costó mucho a la familia soportar estos momentos duros en los que, además, se vieron en una segunda Guerra Mundial que acentuó la complicada situación de la familia.

Aprendió los primeros conceptos musicales de su madre pero para entender su evolución en el tema del canto habría que mencionar a Emmerich Smola y, sobre todo, a Margarethe von Winterfeldt, su profesora de canto en Friburgo, donde estudió canto, ayudado debido a los problemas familiares. Smola se fijó en él 1949 mientras Fritz realizaba una serie de actividades musicales. En 1954 llevó a cabo su debut como Tamino en “Die Zauberflöte”, de W.A. Mozart en una “performance” en la Universidad de Friburgo(http://fritz-wunderlich-ges.com/en/life/). A partir de 1955 fue contratado por la Ópera Estatal de Stuttgart. Debutó con un papel pequeño en Die Meistersinger von Nürnberg en 1955. Su vida estaba ya encauzada, casado con la arpista Eva Jungnitsch y con tres hijos nacidos en 1957,1959 y 1964.

Entre 1955 y 1966 su evolución musical fue meteórica en la que se incluyen varios hitos fundamentales como su contratación como cantante en Munich, sus actuaciones en Viena, Salzburgo. Fue requerido por los grandes directores de orquesta. Curiosamente, entre los teatros donde cantó, no está el Metropolitan de New York, que hizo su estreno oficial en su actual ubicación del Lincoln Center el día antes de la muerte de Fritz Wunderlich. El tenor lírico alemán tenía previsto embarcar a Nueva York para preparar su rol de don Ottavio para octubre de 1966.

Su carrera musical tuvo varios referentes pero el más claro y cristalino es el rol de Tamino en “Die Zauberflöte”. El compositor salzburgués fue uno de los clásicos de Fritz Wunderlich. Pero no sólo el único: Wagner, Richard Strauss, Orff,Tchaikovsky. También iba perfilando su voz para Rossini, Verdi y Puccini. También destacó en el campo del lieder, donde pudo dejar su impronta. Su discografía, bajo los sellos de EMI y después Deutsche Grammophon, ya era relevante en el momento de su muerte.

Sobre la ópera: Cuestión de didáctica

La comunicación, elemento clave para el entendimiento de y entre los seres humanos, ejerce, en el mundo de la ópera, como método para lograr llevar el mensaje “cifrado” del músico y el texto del libretista hacia el espectador. Pero también surgen los que logran resumir, facilitar a los espectadores sobre los matices de la obra, del compositor para un mejor conocimiento.

Aprovechando el fin de “This is opera”, aunque supongo que RTVE lo mantendrá en su sección “A la carta”, querría comentar algo sobre este programa que ha tenido, dentro de lo que cabe, una buena acogida de público. Antes de comenzar, indicar que la valoración es que ha sido un merecido éxito, si bien, algunos ya lo imaginábamos hace tiempo.

Llevo cerca de treinta años aficionado a la ópera, aunque el número de las escuchadas no llegue a 75-80. Con el paso de los años he ido cogiendo, como se dice, el “tranquillo” a algunos compositores que, en mis inicios, me “costaba” entenderlos. No voy a negar que, hasta 2013, no había escuchado a Richard Wagner más allá de la cabalgata de las valquirias. Con el “Año Wagner”, estuve poniendo en la página de Facebook fragmentos de todas las óperas, desde Die Feen(Las hadas) hasta Parsifal. Cierto que me ayudó llevar, al mismo tiempo, el “Año Verdi”(en 2013,fue la conmemoración del bicentenario de ambos compositores) con el mismo propósito desde “Oberto, conte di San Bonifacio” hasta “Falstaff. A diferencia del maestro de Leipzig, la música de Giuseppe Verdi me hizo aficionado a la ópera nada más escuchar las primeras notas. Pocas operas me quedaban por escuchar(Alzira, I Masnadieri o Il corsaro) y, prácticamente, desde Rigoletto hasta Falstaff ya las había escuchado. Llevar al mismo tiempo ambas conmemoraciones me permitió conocer la obra de Wagner desde el principio al final. Poco a poco han ido llegando a mi lista de óperas escuchadas, las de Tchaikovsky, Saint-Saëns,Weber, Richard Strauss…aparte de los clásicos Rossini, Donizetti, Verdi, Puccini, verismo, Mozart. Como objetivos futuros tengo las primeras óperas(desde Monteverdi hasta el Barroco). También me ha parecido grato llegar hasta vosotros para seguir “aprendiendo” más sobre la ópera.

De esa primera etapa lejana, allá por 1989-1990, me acuerdo muy claramente de la presencia en TVE de un gran comunicador llamado José Luis Téllez. Introducía la ópera a emitir, esbozaba sus conocimientos tanto al inicio como en cada uno de los actos. Dejó de aparecer unos pocos años después(por ejemplo, recuerdo “La fille du régiment presentado por Judith Mascó, una de las últimas óperas antes de incendiarse el Liceu pero que se emitió posteriormente al desastre). Allá por 1998, con la reapertura del Teatro Real se volvieron a emitir algunas óperas en las que Tellez volvía a aparecer. En esa etapa entre finales de los ochenta y comienzos de los noventa, me vino a la perfección que Tellez explicara las óperas de forma tan “mascada”. El Teatro Real cuenta con este gran comunicador para comentar sus producciones.

Allá por 2012 ya comenzó la “fiebre” Ramón Gener. Sí, posiblemente antes,no les podría asegurar pero me refiero personalmente. Mirando por Internet, en la web del Gran Teatre del Liceu, buscando algún dato que otro, me encontré con unos vídeos que explicaban la ópera que se iba a poner en escena. Aquí os pongo el primero que vi, el primero que me hizo pensar: “ey, este tipo comunica bien”. Por esa época, desconocía que había un programa llamado “òpera en texans” pero, buscando, lo encontré y lo vi. Ahí se potenció esa sensación que me hizo pensar, oh paradojas de la vida, “este tipo merece dar el salto a TVE”. Eso sí, esa pretensión ha sido mayor pues “This is opera” ha sido una coproducción que se emite en otros países.

Mucho se ha leído y visto sobre cuál es el público de “This is opera”, como en su día, “Òpera en texans”. Yo tengo la sensación que, a excepción de los que no quieren saber nada sobre la ópera(y mantener vivos sus prejuicios hacia, al fin y al cabo,teatro musicado…porque, luego, algunos de ellos irán a musicales), el verdadero público de este programa es aquella gente que va dando sus primeros pasos en el mundo de la ópera. Como si fuera el regreso al pasado que viví allá por los noventa.

A mí, personalmente, el programa “This is opera”, como en su día, “Òpera en texans” me ha ayudado mucho a pesar de los años y años que llevo escuchando ópera. Por ejemplo, me ha servido para dar primeros pasos en algunas óperas que desconocía(Rusalka, el penúltimo programa que emitió, o Evgeni Oneguin, de Tchaikovski), saber aspectos para tratar el tema del barroco o el comienzo de la ópera,etc. Pero, sobre todo, matices que no había captado en su día. Los resumo en dos aunque sé que me quedo corto, aunque ambos de su programa en catalán: por un lado, la explicación de la evolución musical del papel de Gilda en Rigoletto; por otro lado, del programa sobre “La bohème, la explicación sobre el tema del “froid” y la “nieve” del comienzo del acto III ya que, el sonido de la “nieve” es muy perceptible pero el del frío no lo había pillado hasta que lo vi y, desde entonces, lo percibo más claro. ¿De qué me ha servido? Pues para intentar estar más pendiente en los fragmentos que os comento. Y sé que lo que escribo no llega al nivel de dos grandes didactas de la ópera pero sí para aprender a coger esos pequeñas melodías que se perciben dentro de una gran aria, coro u obertura.

Posiblemente,dentro de unos años aparecerá otro gran comunidor que explique las ópera con su estilo propio y alguno recordará que, a mediados de la segunda década del siglo XXI, hubo un presentador llamado Ramón Gener y que “la ópera es la vida y que, compartida, es mucho mejor”.

En este caso, os recomiendo dos lecturas:

De José Luis Téllez

De Ramón Gener

Momentos memorables: Avant de quitter ces lieux

Quizás, sólo quizás, quien escuche este fragmento por primera vez le puede parecer algo monotono. Sin embargo, dentro del propio acto II de Fausto, de Charles Gounod, incluso en la propia ópera, se van a encontrar que es un bello contrapunto, primero al jolgorio del inicio de ese acto, también por lo que implica el texto. Porque, en este punto, Gounod sabe que la música debe obedecer, palabra a palabra y nota a nota, al ruego divino de Valentin para que su hermana Marguerite sea protegida por Dios.Además, si confrontamos este bello ruego, invocación, oración con la interpretación, poco después, de Mefistófeles en “Le veau d’or”, con una música más “diabólica”, entenderán que la belleza de esta aria está, sin duda, en Valentin, en esa voz de barítono que quiere proteger a su hermana de todos los peligros, con la medallita que ella le dio a él para “alejar la muerte” en el campo de batalla. Paradójicamente, entre todos los peligros no pensó en el amor que un “desconocido” como Fausto podía tener hacia su hermana.

Ello no quiere indicar que la música en esta aria no sea bella. Sencillamente, que la belleza está en la letra, en la interpretación pausada, con pocos momentos para la exaltación(especialmente, cuando se refiere a la busca de la gloria) pero que, en cierto sentido, sí los hay. También es un aria en el que papel primordial de la melodía recae en los instrumentos de viento madera tales como flauta y clarinete, con los que se va a acomodar la voz del barítono en buena parte del aria. Los instrumentos de cuerda, prácticamente, tienen una labor secundaria en esta aria. Los instrumentos de viento-metal(trombón, tromba,cornetines) realzan ese momento de “gloria” cuando Valentín muestra su cara más patriótica(délivré d’une triste pensée…) y en el final, en la culminación de ese “Roi des cieux” pletórico.

Aria Avant de quitter ces lieux
VALENTIN
Avant de quitter ces lieux,
Sol natal de mes aïeux,
A toi, Seigneur et Roi de cieux
Ma sur je confie.
Daigne de tout danger
Toujours, toujours la protéger,
Cette sur se chérie,
Daigne de tout danger la protéger,
Daigne la protéger de tout danger
Délivré d’une triste pensée.
J’ira chercher la gloire,
la gloire au sein des ennemis,
Le premier, le plus brave
au fort de la mêlée
J’ira combattre pour mon pays,
Et si, vers lui, Dieu me rappelle
Je veillerai sur toi fidèle
O Marguerite! Avant de quitter ces lieux,
Sol natal des mes aïeux
A toi, Seigneur et Roi des cieux,
Ma sur je confie!
O Roi des cieux, jette les yeux,
Protège Marguerite, Roi des cieux!

Atril de honor: Kurt Masur

Si esta sección la iniciamos tras el fallecimiento de Claudio Abbado a comienzos del año pasado, en esta ocasión queremos recordar a un director de orquesta, Kurt Masur, fallecido el pasado sábado en Connecticut a la edad de 88 años. Ya había dejado de dirigir unos años antes cuando la salud le estaba siendo esquiva. Una referencia que lo fue en el atril y fuera de él.

Nacido en Brieg, cuando era Alemania(actualmente, forma parte de Polonia), su camino por la música llegó bien pronto. Su pasión por los instrumentos musicales-entre los que se encuentra el órgano, además del piano o el violoncello-se encontraron con un inconveniente importante como una lesión del meñique. El destino, pues, le llamaba a coger otro camino dentro de la música, el de la dirección de orquesta.Entre 1946 y 1948 pasó por la “Leipziger Mendelssohn Akademie” donde terminó de perfeccionar sus conocimientos musicales. Sus primeros trabajos le llevaron a Halle an der Saale, Erfurt hasta volver a Leipzig. En 1955 y hasta 1958 dirige la Dresdner Philharmoniker, a la que vuelve entre 1967 y 1972 tras Schwerin, la Komischen Oper Berlin y Brasil.

Entre 1970 y 1996 fue Kapellmeister de la Gewandhausorchester, en Leipzig. Insistimos, aparte de Bayreuth, aquí estamos hablando de la tierra natal de Richard Wagner. Después acabó siendo director honorario de la citada orquesta. Durante el período en el que está en Leipzig va a sentir que su vida gira 180º. Admirado por su dirección de orquesta(Premio Nacional de Alemania del Este)y defensor de la figura de Honecker, su vida cambia en 1989 cuando apoyó unas manifestaciones por el arresto de un músico callejero. Afortunadamente para él, el régimen y la propia RDA se extinguieron más pronto de lo debido, porque su destino bien pudo haber sido otro.Ya la parte final de este período ya lo hizo en la actual Alemania tras la reunificación.

Con la Alemania abierta, llegó 1991 y su contratación para dirigir la Orquesta Filarmónica de Nueva York, la que dirigió poco más de una década, en la que resalta haber sido el director de orquesta que dirigió el homenaje a las víctimas del atentado del 11-S. Un período de once años que han sido, generalmente ensalzados. En el año 2000, se convirtió en Director principal de la Orquesta Filarmónica de Londres hasta 2007 y, al mismo tiempo, Director Musical de la Orquesta Nacional de Francia.

Como era de esperar, su repertorio ha tendido hacia la música germánica(Beethoven, Bach, R.Strauss, Brücker,Wagner,Liszt,Brahms,Bruch,Mendelssohn, Schubert, Schumann), centroeuropea(Janá?ek , Dvo?ák) y rusa(Mussorgsky, Prokofiev,Schostakowitsch,Tschaikowski)

Terminamos esta entrada con un “clásico” de los últimos tiempos. Una entrevista que Bruce Deffie le realizó y donde se pueden leer sus planteamientos sobre las grabaciones vs. interpretaciones en vivo, sobre los ensayos, sobre su forma de entender la música y consejos para nuevos directores de orquesta. Traducción

Momentos memorables: Vals de Musetta

No vamos a negar una cosa obvia, pero escuchar una ópera como “La bohème”(para mí, una de las imprescindibles cuando se comienza en este mundo lírico) permite encontrarse con bellos fragmentos con facilidad pasmosa, donde la melodía es tan importante como la voz del cantante pero que, en ocasiones, hace que uno se sienta, seamos realistas, con una sonrisa en la boca y una música inolvidable. Lo que hoy vamos a comentar es el célebre “Vals de Musetta”, en el acto II en lo que es la primera interpretación del personaje. Musetta es una mujer aparentemente frívola y “libre” aunque, al final de la ópera, nos muestra su piedad y su gran corazón.Fue la amante de Marcello, el pintor, vuelve a él después de esta escena que vamos a explicar y, luego, en el acto III, se vuelven a disgustar en lo que es, sin duda, un auténtico tiovivo de emociones. Aquí, como hemos comentado, es una escena de martilleo a Marcello, que la había despreciado nada más llegar ella al Café Momus(donde se desarrolla el acto II de esta ópera).

Si tiene algo de memorable, aparte de la voz de la cantante (y si es posible de su interpretación en el escenario para no caer en excesos del personaje), es la melodía que acompaña a la escena a ritmo de vals lento y en el que los roles importantes de la orquesta será el arpa(especialmente, a partir de “Ed assaporo allor la bramosia”), los violines al comienzo con “gracia y elegancia” mientras que el ritmo de vals lo aportan, al principio, la flauta y clarinete.Una de las claves del éxito de este fragmento es, sin duda, cómo envuelve la orquesta al personaje de Musetta creándole esa atmósfera parisina tan propia.

Aquí,no quiero dejar de pensar en Puccini. Archisabido era que le gustaba el detalle musical, no voy a negar que ese “valse musette”, que ya existía en el siglo XIX inspira a Puccini para darle la posibilidad de hacer interesante este personaje.

Escena: Vals de Mussetta

MUSETTA

Quando men vo soletta
per la via, la gente sosta e mira
e la bellezza
mia tutta
ricerca in me da capo a pie’…

MARCELLO
(a sus amigos, de forma enojada)
Legatemi alla seggiola!

ALCINDORO
Quella gente che dirà?

MUSETTA
… ed assaporo allor la bramosia
sottil, che da gli occhi traspira
e dai palesi vezzi intender sa
alle occulte beltà.

Così l’effluvio del desìo
tutta m’aggira,
felice mi fa! felice mi fa!

ALCINDORO
(abochornado)
(Quel canto scurrile
mi muove la bile!)

MUSETTA
(A Marcello)
E tu che sai, che memori e ti struggi
da me tanto rifuggi?
So ben: le angoscie tue
non le vuoi dir,
ma ti senti morir!

MIMÌ
(a Rodolfo)
Io vedo ben…
che quella poveretta,
tutta invaghita di Marcel,
tutta invaghita ell’è!

Voces magistrales: Anna Tomowa-Sintow

Si bien el público en general se queda con unas pocas cantantes muy mencionadas(Maria Callas, Montserrat Caballé, Renata Tebaldi o Teresa Berganza), Anna Tomowa-Sintow sí es más conocida en el entorno de los aficionados a la ópera, que la tienen en la debida consideración.

Nacida en 1941 en la ciudad búlgara de Stara Zagora, su pasión por la música llegó bien pronto. Primero, el piano; después, el canto con el que consiguió ganar un concurso nacional. Estudió en el Conservatorio Nacional de Sofía en ambas especialidades de canto y piano. En 1967 ya realizó su debut con el rol de Abigaille(Nabucco, de Giuseppe Verdi) en Leipzig, donde además empezó a labrarse buena parte de su repertorio. En 1972, la Deutsche Oper Berlin fue el siguiente paso que dio la soprano búlgara donde siguió evolucionando su voz y demás roles, aparte del título de “Kammersängerin”, que además obtuvo en Viena.

En 1973 debutó en París pero, sobre todo, conoció a Herbert von Karajan(en el sentido de ponerse a trabajar con el director de orquesta) en Salzburgo con ocasión de unas audiciones para la premier de la última ópera de Carl Orff “De temporarum fine comoedia”. Durante diecisiete años, la soprano trabajó habitualmente con el director austríaco en el festival salzburgués, fue elogiada por su trabajo.Aparte de esta relación laboral prolífica, también fue realizando otros correspondientes debuts en los grandes teatros. Así, en 1975 debutó en Londres como Fiordiligi(“Così fan tutte”,Mozart), en 1976 en el Metropolitan de Nueva York y en Chicago con Donna Anna(“DOn Giovanni”, Mozar), en 1982 en la Scala de Milán con el rol de Elsa en Lohengrin.En Barcelona, aunque ya había cantado antes, formó parte del elenco que interpretó Turandot en el estreno del nuevo Gran Teatre del Liceu tras su prolongada reconstrucción durante cinco años.

Su repertorio ha abarcado, mayoritariamente, a Giuseppe Verdi y Strauss. En menor medida, destaca desde el verismo(Giordano, Mascagni o Puccini), Wagner y, como era de esperar, el belcantismo(salvo Norma) no lo tocó. El legado discográfico, sin ser extenso, ha ido dejando muestras de los roles que ha ido desarrollando a lo largo de su vida

Terminamos con un clásico de entradas como es la web oficial del cantante en cuestión. En esta ocasión, recomendamos el paseo por la página web de esta soprano, a pesar de la ausencia de algunos fragmentos que otros sí publican. Además, quiero culminarlo con una aria excepcional como “La mamma morta”, de la ópera Andrea Chénier(Umberto Giordano) y que, personalmente, fue la primera vez que la escuché y observé su interpretación.Por último, el enlace a una entrevista que Bruce Deffie realizó a Anna Tomowa-Sintow(http://www.kcstudio.com/ts.html)